arte y artificios

EL DIBUJO ARQUITECTÓNICO: DEL ENCANTO DEL LÁPIZ A LA MAGIA DE LAS ANIMACIONES 3D

2012-03-17T09:43:00.000+01:00

Infografía arquitectónica realizada mediante ordenador

Desde la antigüedad, el dibujo haproporcionado a los arquitectos el medio adecuado para desarrollar sus ideas creativas, registrarlos diseños de otros arquitectos (el único medio posible antesde la invención de la cámara fotográfica), permitir al cliente la visualización de su encargo yproporcionar al contratista la guía exacta para la ejecución de la obra.

Son un mundo poco estudiado y valorado, considerado a menudo como una manifestación artística de de segunda fila. Y es una lástima porque detrás de muchos arquitectos hay un alma de dibujante o pintor a menudo subyugada por el medio de representación gráfica de su proyecto.

De los pergaminos medievales a las animaciones 3D que hoy se ejecutan por ordenador (CAD), hay toda una historia fascinante de la creación visual, que sorprende por lo ingenioso, complejo y a la vez artístico de sus manifestaciones. No olvidemos que hasta el S.XVIII, muchos pintores eran a la vez arquitectos (Miguel Angel, Giotto, Bernini). Fue durante el S.XIX, cuando el elevado grado de especialización que empezó a requerir la práctica arquitectónica obligó a diferenciar ambas profesiones.

EL EMPLEO ACTUAL DE LOS MEDIOS TRADICIONALES

Quizás los medios más simples y directos sean la tinta, los rotuladores y el lápiz. Muchos arquitectos trazan sus ideas de una manera espontánea y básica en dibujos sueltos, que luego un equipo de especialistas (los llamados delineantes) se ocupan de concretar y pasar a planos detallados. Los bocetos suelen ser sencillos y con ausencia de detalles, ya que buscan describir el efecto general de conjunto. Muchos tienen un encanto y una soltura, más propia del dibujo artístico, que de la "severa" disciplina que esperamos en un arquitecto tradicional.

Boceto de una idea realizado con rotulador. Acabado fresco y espontáneo, realizado a mano alzada para mostrar una idea general

Dibujo en tinta realizado para describir el efecto de un edificio. Por su carácter paisajístico y ambiental, recuerda las vistas pintadas de París por impresionistas como Pissarro o Monet.

Bosquejo rápido pero completo de un edificio, realizado con rotulador.

El humilde lápiz grafito sigue siendo el instrumento favorito de muchos arquitectos por su facilidad e inmediatez de uso. Manejado con maestría y aprovechando las distintas gradaciones de intensidad que permiten, ofrece resultados magníficos.

Magnífico dibujo realizado con lápiz grafito, de rápida factura

Dibujo convencional a lápiz grafito

Los lápices de colores son un medio habitual de los ilustradores de libros, que también tienen su papel en dibujos de arquitectura.

Dibujo realizado con lápices de colores.

Otra técnica que ha seducido a los arquitectos es el pastel, sobre todo para realizar trabajos con mucho color y en los que se desea un acabado más artístico. El pastel no permite una alta precisión, pero su factura rápida y espontánea da un acabado "artístico" a los dibujos, que es muy apreciado.

Ilustración al pastel de un proyecto

Otra recreación arquitectónica al pastel

Las tizas y lápices de colores permiten una rapidez, que para bosquejos es muy interesante.

Rápido croquis realizado con lápices de colores.

Dibujo con tiza blanca sobre papel rojo. Este contraste destaca

Hasta la llegada del ordenador, la acuarela era el método tradicional preferido por los arquitectos para presentar de forma definitiva sus ideas al cliente. Por su aspecto grato, colorista, luminoso y fresco, su espontaneidad y a la vez precisión cuando se requería, propiciaron que todos los estudios finales se realizasen con este medio. Entre arquitectos y delineantes surgieron auténticos virtuosos de la acuarela cuyas obras muy bien podrían rivalizar con las de artistas profesionales.

Delicioso dibujo a la acuarela mostrando todo un proyecto arquitectónico

Con un aire más formal y austero, este boceto correspondería al acabado habitual entre profesionales

Elegante y estilizado dibujo a la acuarela en la que el acento se ha puesto en la simplificación, el juego de luces y volúmenes.

Dentro del dibujo arquitectónico, el empleo de técnicas mixtas y la creatividad gráfica también ha encontrado su hueco, como podéis ver en estos ejemplos.

Dibujo realizado con tinta, tempera y carboncillo

Dibujo en tintas planas, de estética muy simplificada, con marcada influencia del neoplasticismo. Son dibujos muy atractivos visualmente pero que ofrecen poca información real sobre el detalle y la apariencia real que tendrá la edificación. Se centran en la información mínima esencial.

Por contraste, el realismo máximo y el detalle extremo y complejo, hacen igualmente interesante esta visión, en la que la vista se va paseando por cada uno de los elementos que la componen

EL DIBUJO ARQUITECTÓNICO POR ORDENADOR

La llegada del ordenador al diseño arquitectónico ha significado una auténtica revolución. Programas como Corel Draw, Freehand y Autocad permiten por un lado seguir realizando dibujos en un estilo y técnicas "tradicionales", con acabados en estilo carboncillo o acuarela, etc. Introducen mediante el proceso que se conoce como "renderización" alcanzar un grado de hiperreralismo en el dibujo absoluto. Por último, gracias a la animación 3D. crean un mundo nuevo, en el cual el espectador se pasea por el interior de sus edificios y se hace una idea de los mismos, como nunca antes se había podido.

Con ordenador se pueden lograr un acabado "tradicional" muy atractivo. En esta ilustración en 2D, se busca crear un efecto de "carboncillo" austero, a la vez que interesante (cierto aire de dibujo de los años 30), muy en línea con sencillez de las superficies del edificio.

Ilustración en la que por el contrario el énfasis se pone en el color y los juegos de luces. Se busca trasmitir una sensación de entorno lúdico, en la cual el nuevo edificio se integra y contribuye. Llama la atención el esfuerzo del artista por "suavizar" la presencia de la mole del edificio, que bien observada, rompe completamente con su entorno, tanto en alturas como en acabados.

Se llama "renders" a los dibujos de acabados realizados por ordenador. Los programas permiten infinitos matices en la elaboración de "renders". Autocad tiene de serire mas de 300 acabados y texturas diferentes para superficies arquitectónicas. Luego estas se pueden matizar entre sí, jugar con diferentes fuentes de luz, degradados, etc,casi hasta el infinito. tanto en su posición, como por su origen (solar, incandescente, halógena, etc) Se ha llegado a un grado de especialización tal, que los fabricantes de iluminación envían directamente a los programadores los perfiles lumínicos de cada uno de sus productos, para que sean incorporados en los programas.

Infografía en 2D, con un elaborado estudio de luces y sombras. Llama la atención como la estética de la película "Blade Runner" (que ya tiene 30 años) sigue plenamente vigente e influyendo en muchos ilustradores a la hora de mostrar rascacielos y grandes edificaciones modernas.

LA REVOLUCION: LAS ANIMACIONES EN 3D

Dentro del campo del diseño arquitectónico, las posibilidades que ofrecen las animaciones en 3D son prácticamente ilimitadas. Destinadas sobre todo a seducir a a clientes e inversores, despliegan todo un abanico de recursos visuales y sonoros muy efectivos que pueden llegar a marear por abrumadores. Desde la recreación del interior de una sencilla casa a permitir un paseo virtual por megaproyectos, todos los arquitectos de hoy en día empelan este recurso que es altamente eficaz.

He puesto dos ejemplos magníficos. Os aconsejo activar el sonido del ordenador (la música de acompañamiento es fundamental), picar en la opción de pantalla completa y dejaros embriagar pro lo que os quieren vender.

Si queréis disfrutar de lo mejor que se hace hoy en día en ilustración arquitectónica sobre soporte tradicional (vamos, en papel), os aconsejo la web de la Asociación Americana de Ilustradores Arquitectónicos. Otorga un premio anual de ilustración (Hugh Ferris Prize) cuyos catálogos son una maravilla. Os dejo enlaces a varios de ellos, que me han parecido estupendos:

Catálogos Premios de Ilustración Hugh Ferris

JOSE PAYA ZAFORTEZA

MAS DE 100 METROS LINEALES DE MURO ESPECTACULAR PINTADO AL GRAFITTI EN CATARROJA (VALENCIA)

2012-03-05T17:33:00.001+01:00

En el polígono industrial de Catarroja (Valencia), entre anodinas naves destaca este mural impresionante de más de cien metros de longitud, donde se une una realización plástica sorprendente y una llamativa estética muy original. Uno no puede menos que pensar en el tiempo y esfuerzo empleados así como el coste económico de semejante obra.

Vista de la zona del rostro

Composición del mural completo ( mide mas de 100 metros)

Dragón chino

El fragmento completo

Detalle del mural

Cabeza de dragón.

Sin palabras

¿Los autores?

Kung Fu Panda

Vista del mural y de la zona (un polígono industrial cercano a Valencia)

JOSE PAYA ZAFORTEZA

LA LISTA DE LA VERGUENZA

2012-03-01T07:22:00.002+01:00

La Cartuja de Vall de Crist en Castellón, incluida en la lista por peligro de ruina.

La lista de Hispania Nostra : el patrimonio arquitectónico español en peligro:

Hispania Nostra es una asociación sin ánimo de lucro, que desde 1976 vela por la salvaguarda del patrimonio arquitectónico español. Premia aquellas actuaciones que considera más afortunadas (Premios Hispania Nostra y Europa Nostra) y también mantiene una lista roja del patrimonio en peligro. Esta es actualizada por voluntarios y recoge los monumentos y conjuntos patrimoniales que se encuentran en peligro de desaparecer. Consultar esta lista es a la vez interesante y desalentador. Se puede buscar tanto por localización (Comunidad Autónoma), como por tipología (patrimonio militar, religioso arqueológico, etc).

Las Comunidades que salen peor paradas son Castilla y León (41), Castilla La Mancha (51), Andalucía (38) y Aragón (48). Las que mejor mantienen su patrimonio en relación a su extensión son el Pais Vasco, Cataluña, Galicia y las Baleares. Como se ve, otra vez la radiografía de la España sur y central (la España "pobre") contrastada con el norte y las periferias costeras (la España "rica")

Palacio de los Escriva y Boil en Valencia, premiado por Hispania Nostra a la conservación del patrimonio

También, para no señalar solo lo negativo, dentro de la lista hay una apartado (patrimonio restaurado o en restauración) dedicado a aquello conjuntos que anteriormente figuraban en la lista roja y han sido recuperados o están en proceso.

De cada bien hay una pequeña ficha, en la que se le describe, se menciona su grado de catalogación o protección y el tipo de peligro a la que se enfrenta. En Valencia, llama la atención la inclusión de los Jardines de Monforte, a los que se considera amenazados por el proyecto municipal de derribar el muro perimetral que los resguarda y proporciona su carácter intimista y aislado. Es un recordatorio de que los riesgos no solo provienen de la dejadez y el abandono, sino muchas veces del excesivo afán "intervencionista", que acaba alterando y desvirtuando los bienes a los que supuéstamente se debía proteger (como muestra, el Teatro Romano de Sagunto).

El jardín de Monforte.

También mantiene en su lista al conjunto de alquerías de la huerta de Valencia, amenazadas por la expansión urbana de la ciudad y las nuevas vías de circunvalación de la misma. Estas devoran de forma insensible para la mayoría de los urbanitas un patrimonio único e irrecuperable, que comprende tanto un paisaje agrícola que se degrada, como unos modos de vida y una cultura popular que se extinguen ante la indiferencia general.

La alquería gótica del Moro en Benicalap, incluida en la Lista Roja (foto de 1975)

Como se ve, los riesgos para el patrimonio provienen tanto de la pobreza y el abandono que impide su sostenimiento, como de la excesiva riqueza. Esta cuando va unida a la falta de sensibilidad y cultura conduce a intervenciones excesivas sobre el mismo o que directamente pasan por encima de él en una búsqueda del desarrollo a cualquier precio.

Si queréis consultar la lista, aquí tenéis el enlace:

La lista roja de Hispania Nostra

La actividad de Hispania Nostra tambiéns se extiende a la edición de una revista que se puede consultar "on line" y que aconsejamos a todos aquellos interesados en patrimonio arquitectónico. Tiene un formato muy cómodo de lectura y de momento lleva publicados cuatro números. Para consultar la web de Hispania Nostra, usar el siguiente enlace:

Hispania Nostra

ESCULTURAS CON LAPICES Y CLAVOS DE JENNIFER MAESTRE

2012-02-21T17:05:00.001+01:00

Aurora

Jennifer Maestre es una artista norteamericana, que inspirada por la estética de los erizos de mar realiza estas prodigiosas esculturas-objetos con lapices de colores. Estos son seleccionados por su colorido, cortados al tamaño de una pulgada, perforados, afilados y y ensartados entre sí. El resultado son estos espectaculares objetos, que remiten constantemente a la forma orgánica del ser vivo al que representan, y a la vez sorprenden por la naturaleza del material con el que están elaborados.

Aquellos que queráis conocer más a fondo su obra, aquí tenéis el enlace de su web:

http://www.jennifermaestre.com/index.php.

Therpsícore

Detalle de la escultura "Aurora"

Luna

Jennifer Mestre trabajando

Centro

Escultura de clavos

JOSEPAYA ZAFORTEZA

COMO SE HACE UNA FALLA VALENCIANA

2012-02-18T11:42:00.002+01:00

Del cartón y la arcilla al diseño asistido por ordenador:

Tradicionalmente, cuando llegan las Fallas, los valencianos nos dividimos en dos bandos: los que viven y se integran plenamente en la fiesta hasta el agotamiento y los que desaparecen y escapan a la playa o el campo, huyendo de una ciudad completamente trastornada.

Servidor, que en sus años mozos disfrutó de las Fallas al máximo, ha terminando en la facción de los escapistas, aprovechando las tentadoras ofertas de viajes que siempre surgen por estas fechas. Eso no quita para que no reconozca que las Fallas son una fiesta grande, con un componente artístico impresionante que no deja indiferente a nadie. Desde las vestimentas de las falleras (un complejo mundo lleno de misteriosas e insondables normas), a las espectaculares iluminaciones de las calles, los castillos de fuegos artificiales y sobre todo los monumentos falleros, todo rezuma lo mejor del carácter valenciano: creatividad, color, barroquismo, exageración y espectacularidad.

Una de las fallas más espectaculares que se "plantan" anualmente en Valencia.

Se supone que el origen de los monumentos falleros eran los restos de virutas y maderas que los carpinteros de la ciudad quemaban la víspera de la fiesta de su patrón, San José. Otra versión apunta a la celebración pagana del equinoccio de Primavera. Este se señalaba en toda Europa encendiendo grandes hogueras, que despedían a la larga noche invernal y daban la bienvenida a la Primavera. Aquí la Iglesia simplemente habría cristianizado una festividad pagana.

Una muestra de la complejidad y elevado nivel artístico de de las fallas

El caso es que a día de hoy, las Fallas son monumentos espectaculares que llegan a superar los 25 metros de altura y cuyo coste en algunos casos se ha disparado hasta los 900.000 €, que son consumidos por el fuego en una sola noche. A su alrededor ha crecido todo una industria semiartesanal, que agrupada en la Ciudad del Artista Fallero da trabajo a miles de personas (solo en Valencia se plantan casi 400 fallas). Estos artesanos han extendido su actividad a otros campos, como la elaboración de decorados, tematizaciones y carrozas (muchas de las que desfilan en el famoso Carnaval de Nueva Orleans y otras partes del mundo, se han elaborado en Valencia)

El elemento principal de la falla es el ninot o figura satírica. Tradicionalmente hecho con restos de maderas, pasó a fabricarse posteriormente con cartón y hoy en día, el material de base es el poliestireno expandido o corcho blanco. Su elaboración tradicional es muy laboriosa y si tenemos en cuenta que en una falla de 1º Especial puede haber fácilmente 50 o 60 ninots de todos los tamaños, entenderemos que el artista y su equipo trabajen buena parte del año a un ritmo frenético.

Ninots de una falla infantil

He encontrado estos dos vídeos sobre el proceso de fabricación de un ninot. Viéndolos, uno no puede menos que quedarse pasmado ante el complejo proceso necesario. Los vídeos están en valenciano (lo siento, pero no los hay en castellano) y están patrocinados por una conocida marca valenciana de fartons (un bollo alargado con el que se acompaña la horchata o el chocolate), que naturalmente aparece cada dos por tres (de hecho el ninot es un fartón)

1.- Fabricación de un nintot por el sistema tradicional (cartón):

Os hago un resumen del proceso para los que no entendáis el valenciano: dibujo previo - elaboración de un modelo de arcilla - fabricación de un molde de escayola sobre el modelo - aplicación de cartón y cola a las piezas del molde - extracción y unión de las mismas.

2.- Fabricación de un ninot con poliestireno expandido (corcho blanco):

Aquí el proceso sería: dibujo previo - tallado directo sobre poliexpan - lijado y afinado de la figura - empapelado y encolado de la pieza - aplicación de una imprimación de gotelé - pintura final.

La introducción del poiliestireno ha significado una revolución en el mundo de las Fallas. Su mayor ligereza frente al cartón, ha permitido la creación de ninots gigantes con volúmenes impensables hace años por problemas de peso y estructura. El cartón se ha quedado para las fallas de bajo presupuesto que reaprovechan moldes viejos. El problema del poiliestireno es que su combustión (es un polímero del petróleo) es más contaminante que la del cartón. De hecho ya se están desarrollando nuevos materiales a base de celulosa que buscan solucionan este problema.

Hasta aquí los procesos artesanales de fabricación de ninots, pero como en todo, la informática y las nuevas tecnologías han irrumpido con fuerza en este mundo semigremial. El diseño asistido por ordenador (CAD), facilita hoy el modelado tridimensional de figuras en la pantalla que luego un robot fresadora se encarga de tallar de forma automática en el bloque de poliestireno. El ahorro de tiempo que esto supone es muy notable, aunque el artista siempre tiene que hacer personalmente el acabado y pintado final.

Robot fresador esculpiendo un ninot

Otra innovación que permite el CAD es el estudio estructural de modelos de fallas para mejorar su capacidad de resistencia al viento y otras condiciones adversas. No es raro que los vientos de Marzo provoquen el desplome de las estructuras más osadas, ya que las fallas cada vez son más osadas en el tamaño y volado de las figuras, lo que plantea problemas nuevos.

Como veis, todo un mundo que en la madrugada del 20 de marzo queda reducido a humo y cenizas para inmediatamente recomenzar el proceso, con la vista ya puesta en las próximas Fallas.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

UNA MURALLA ESCONDIDA (EN LIRIA)

2012-02-11T12:07:00.000+01:00

Liria es una pequeña ciudad de 22.000 habitantes, que aupada en lo alto del cerro de la Sang, se encuentra a media hora en coche de Valencia. Es pueblo antiguo, que con íberos y romanos ya vivió momentos de auge y que luego declinó eclipsada por la pujante Valentia. Conserva todavía importantes restos de todas las épocas y además tiene unas cuantas iglesias que bien merecen visitarse.

Hace semanas tuve que ir allí para resolver asuntos y buscando el juzgado me perdí por el casco viejo (lo cual es fácil). Trepando por calles empinadas como pocas, me topé con unas cuantas casas de poco interés, pero en cuyas traseras aparecía encajonados lienzos de la antigua muralla. No pude menos que quedarme pasmado viendo como almenas y torreones aparecían y desaparecían tras viviendas y corrales con la mayor tranquilidad

Lienzo de muralla mediaval, tras un corral y rodeado de un auténtico "entorno monumental". Arriba a la izquierda aparece un torreón.

Tal como pasó en Valencia, cuando el crecimiento urbano desbordó el recinto amurallado, las nuevas casas aprovecharon la muralla como tapia, cimentación, medianera, etc. La para nosotros huy reverenciada muralla, simplemente era un molesto estorbo del que uno podía tratar de aprovechar algo de valor. Y ya que derribarla toda era demaseado caro, pues mejor utilizarla cada cual como mejor le conviniera.

Lienzo de muralla tras un patio. Véase la almena de la derecha, encalada, "a juego" con el interior.

Los años fueron pasando y poco a poco la altiva muralla desapareció engullida por lo cotidiano. Hoy, rescatarla y hacerla visible sería un empeño complejo. Habría que ver cuanto se conserva de la muralla original, cuanto es recuperable y por último, la conveniencia o no de hacerlo. Los propietarios de las casas tienen derechos adquiridos que se remontan siglos atrás. En Valencia se ha intentado con el plan de la Muralla Arabe, pero el tema está todavía muy lejos de resolverse.

En todo caso, la muralla ahí está, esperando soluciones y ser descubierta. Ojalá lo veamos pronto.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

DE CUANDO LA LONJA DE VALENCIA VIAJO A LA EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE CHICAGO (1893)

2012-02-05T22:24:00.002+01:00

Una vista del pabellón español de la Exposición Universal de Chicago. Al su lado, el pabellón alemán.

En 1893 se celebró en Chicago la Exposición Universal para conmemorar el IV Centenario del descubrimiento del Nuevo Mundo. Fue la más importante de todas las que se celebraron en América y tuvo una gran influencia posterior en el planteamiento urbanístico de numerosas ciudades americanas. Participaron 19 países y el éxito de público fue colosal, ya que atrajo a 27 millones de personas (casi un cuarto de la población estadounidense). Pese a esta masiva afluencia, la exposición estuvo a punto de arruinarse, debido a sus cuantiosos gastos (como se ve, nada nuevo bajo el sol).

Dentro de los pabellones internacionales uno de los más singulares era el de España. Curiosamente, en una época en la que por influencias del romanticismo y el exotismo, todo lo español se asociaba a la herencia árabe (recuerdese el éxito de los "Cuentos de la Alhambra" de Washington Irving), el gobierno español se decantó por enviar una muestra del gótico civil de la Corona de Aragón

Un detalle del mapa oficial de la Exposición. El pabellón español, empequeñecido al lado del grandioso pabellón alemán (no en vano Alemania aspiraba a convertirse en la primera potencia mundial). Sorprende el pabellón de Haití, de una opulencia hoy inimaginable en aquel país.

Las obras fueron dirigidas por el prestigioso arquitecto valenciano Rafael Guastavino. Se pensó que dado el gran conocimiento que tenía sobre la construcción de bóvedas (las famosas bóvedas de Gustavino en Nueva York), era el más capacitado para levantar las réplicas de las del Salón Columnario.

El edificio del Consulat del Mar adosado al original, no se construyó, por lo que hubo que inventarse una fachada lateral, que es la que se muestra en las fotos.

La Lonja de Valencia a finales del S. XIX. Nótese que el torreón central aun no se ha rematado con las almenas neogóticas

En el interior del Pabellón lo valenciano se potenció. Colgaban obras de Muñoz Degrain, Agrasot y Sorolla, que además recibió una medalla conmemorativa. Esta obra ha sido muy estudiada por el erudito valenciano Josep Vicent Boira, que sostiene la hipótesis de que los planos originales de la Lonja se emplearon para esta reconstrucción y se extraviaron posteriormente.

Otra foto de la réplica de la Lonja

UNA IMAGEN SINGULAR

2012-02-01T15:37:00.002+01:00

Recientemente y por motivos de trabajo, nos hemos encontrado con esta singular estatua en un templo de la provincia de Alicante. A quien no lo reconozca, le aclararemos que se trata del Beato Monseñor Escribá de Balaguer, fundador del Opus Dei. Es la primera vez que me topo con una imagen de este religioso canonizado hace pocos años, no sin cierta polémica.

La factura y talla de la obra es buena, aunque no deja de ser un poco chocante la visión de un personaje contemporáneo revestido de ropajes, estofas y policromías barrocas. El contraste entre el realismo extremo de la cara, gafas incluidas, con un aire cotidiano como de vecino de abajo y el dorado cuerpo, en pose elevada y mística, cuanto menos es peculiar.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

DE COMO EXTRAÑOS DESTINOS PARA MONUMENTOS, PERMITIERON SU SUPERVIVENCIA

2011-12-23T07:24:00.003+01:00

Los que hoy en día reverenciamos y disfrutamos de nuestro patrimonio monumental, nos sorprenderíamos al ver los extraños y peregrinos destinos que en ocasiones sufrieron estos edificios. Obligados a padecer un uso completamente ajeno a aquel para el que fueron creados, las brutales adaptaciones que en ocasiones sufrían y el trato descuidado e irrespetuoso que se les dio, los deterioró notablemente.

Sin embargo, en el fondo debemos de estar agradecidos, ya que gracias a estos empleos, se los consideró útiles y por lo tanto merecedores de ser conservados. Si no hubieran padecido el mismo destino que muchos otros: el derribo y aprovechamiento de sus solares para la especulación urbana (Como ocurrió con el Portal Nou, los conventos S. Francisco, S. Bartolomé, Palacio de Ripalda, etc, etc.).

Con todo llama la atención la disparidad de usos extraños que sufrieron. Vamos a hacer aquí un pequeño repaso:

- Las Atarazanas: fábricas y almacenes en naves góticas.
Las antiguas naves góticas en las que se construian y reparaban galeras, fueron perdiendo su uso al quedar aterrado el espacio frente a ellas. Pasaron a ser almacén de sal y otro artículos variados y finalmente, vendidas por el estado en 1849 a diversos particulares. Estos las compartimentaron y las emplearon para instalar fábricas y almacenes. En este estado estuvieron hasta que en los años 80 del pasado siglo, el ayuntamiento recuperó la posesión, restaurándolas y recuperando lo que hoy es una bella sala de exposiciones.

Las Atarazanas hoy en día.

Las Atarazanas, hace un siglo, compartimentadas y cada una con una fachada diferente.

Sin duda la más sorprendente es la fachada de la cuarta nave, convertida en una típica vivienda del Cabañal, con miradores y todo.

El interior de las Atarazanas en una imagen reciente, cuando ejerció fugazmente de Museo Marítimo de Valencia

Interior de una de las Atarazanas, con el utillaje de una fabrica.

Otra vista de las naves empleadas como almacén.

- San Juan del Hospital: de iglesia a cine.
Nadie que hoy entre en una de las iglesias góticas más bellas y mejor conservadas de Valencia, imagina ría que este recinto monumental tuvo que pasar por el trago de verse convertido en un cine. Así como suena. Muy dañada por los incendios del año 1936, tras la guerra civil, la iglesia estuvo a punto de ser derribada, hasta que una orden religiosa se hizo cargo de ella. Con el tiempo fue repristinandola y eliminando la decoración barroca hasta dejarla en su estado actual. Pero antes, durante un breve periodo, el templo tuvo que ejercer de sala de cine religioso.

Interior de la iglesia de S. Juan del Hospital, la única con bóveda de cañón apuntado que hay en Valencia

La misma cabecera, con el telón de cine instalado. Observese la decoración barroca que recubría el gótico original.

Las torres de Serrans y de Quart: prisiones.

Cuando en 1865 se derribaron las murallas de la ciudad, también cayeron bajo la piqueta todas las entradas monumentales con las que esta contaba. Solo se salvaron dos: las torres de Serrano y las de Quart. Y esto no fue porque se sintiera un especial aprecio por su monumentalidad. Simplemente eran útiles como prisiones. Con todos sus arcos cegados y compartimentadas en varias alturas, ejercían un triste papel, de las que afortunadamente se las liberó poco después.

Las Torres de Quart, con sus arcos cegados, transformadas en prisión

Las Torres de Quart hoy, con sus vanos abiertos otra vez (foto JF Díaz Arnal)

Vista frontal de las Torres de Serrans, con su fábrica gótica perforada por múltiples ventanas, para iluminar y ventilar las celdas

Las Torres de Serrans hoy, con su fabrica reconstituida y eliminadas las ventanas de las celdas.

La Lonja de la Seda: de palacio del comercio a cuartel.

Tras la Guerra de Sucesión española, en 1707 el magnífico edificio fue convertido en cuartel y el jardín empleado como cocina militar. Este uso duró hasta 1767, año en que el ejército lo abandonó. De esta época es el pequeño pabellón en ladrillo que cierra el jardín y que rompe la simetría del mismo. Durante el S. XIX se retomó la idea de usarlo como cuartel, existiendo un proyecto que dividía el salón columnario en varias alturas para su aprovechamiento por la tropa. Afortunadamente se desistió de aquello. Aun así el monumento ha tenido varios usos diversos: almacén de trigo en épocas de carestía, hospital de enfermos de la peste y el cólera en el S. XIX. Por último, durante la Guerra Civil se reunieron en el su salón las Cortes de la República.

La Lonja de Valencia, a principios del S.XX.

- San Miguel de los Reyes: de Convento Jerónimo a penal.
En este magnífico, pero inconcluso edificio, el ayuntamiento de Valencia instaló en 1865 un hospicio para acoger a los numerosos mendigos de la ciudad. También sirvió de almacén de forraje, armas y municiones del ejército hasta que en 1867 se decidió transformarlo en penal, papel que realizó durante casi un siglo. Finalmente en 1966 fue clausurado, albergando más tarde a un colegio. Simultáneamente el ayuntamiento lo usaba como almacén de embargos. Afortunadamente restaurado, hoy en día alberga a la Biblioteca Valenciana.

San Miguel de los Reyes, en sus tiempos de penal

Reclusos alineados en el patio

El claustro renacentista hoy en día

Entrada al Monasterio

JOSE PAYA ZAFORTEZA

CARPINTERIA SINGULAR

2011-12-22T19:49:00.001+01:00

A medio camino entre la escultura y el mobiliario singular, estas piezas talladas en pino macizo, conforman un interior único y singular. Esta curiosa obras han sido realizadas para completar toda una decoración que incluye percheros, ropa tendida, etc . Desde luego, muy cómodas no parecen. Eso sí , dar un toque singular en un rincón de vuestra casa e impactar a las amistades lo logran sin duda alguna.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

¡VAYA CAÑA CON EL ANIMALITO!

2011-12-17T07:54:00.000+01:00

Buscando una tienda de maquinaria de madera, encontré en Manises este impactante grafittti mural. Lo primero que llama la atención son sus dimensiones: mas de 50 metros lineales, muy bien trabajados. Eso supone un gasto en pintura y sprays importante, además de un tiempo de elaboración y mucha, mucha dedicación.

La calidad artística del mural es muy alta y su impacto visual, muy logrado. Está claro que su autor deseaba terminar con la leyenda de que los elefantes huyen despavoridos ante los ratones. Aquí, en el entorno de un circo diabólico, los roedores aparecen como las víctimas de unos sádicos elefantes rosas, que disfrutan torturándolos en medio de un irreal escenario de regalos y caramelos.

Vista general del mural

La visión de los animales es pavorosa

¿Quien dijo que los elefantes huían de los ratones?

El mural destila un sadismo borde combinado con una colorista decoración

Un muñeco diabólico

Autoretrato del domador de todo este circo

JOSE PAYA ZAFORTEZA

CASA ROSA, TERUEL

2011-12-09T07:13:00.005+01:00

Vista general del escaparate de Casa Rosa

Hace un mes disfruté de un fin de semana con mi familia en Teruel. Paseando por sus calles me topé con este delicioso rótulo, que preside un local antaño especializado en material técnico, de papelería y Bellas Artes. Su visión detallada no pudo menos que traerme el sabor de otra época, de comercios "de siempre", que eran referencias y puntos claves de encuentro en la vida de una pequeña ciudad provinciana.

El rótulo, trabajado primorosamente en relieve y tallado con gusto, es un ingenuo y a la vez completo compendio alegórico del arte, la arquitectura y el saber. Su estado general, si bien algo descuidado, no es del todo malo. Bajo capas de polvo acumulado se aprecia perfectamente el relieve. Uno lo ve y ganas le dan de agarrar escalera, esponja y cubo de agua y no parar hasta dejarlo inmaculado. Incluso se podría indagar si bajo la sosa capa de pintura blanquigris, esconde otro color o mejor aun, una interesante policromía.

Detalle del rótulo. Se aprecia la suciedad, así como el mal estado del toldo, que pide una renovación

En la singular alegoría central se combinan los materiales de las Bellas Artes (la paleta con los pinceles), la arquitectura y el dibujo técnico (el conjunto de reglas y cartabón), la escritura (las plumas y el tintero), y la cultura (el libro). Todas ellas presididas por el casco alado de Mercurio, el mensajero de los dioses, símbolo del desarrollo y el progreso.

Lo que parece ser un botellín de aguarrás vierte gozosamente su contenído, cual nueva fuente de la abundancia y la creatividad

El tradicional plumín, antaño un útil insustituible para estudiantes, escribientes y dibujantes

Hoy parece evidente que Casa Rosa conoció momentos mejores. De la venta de material artístico se ha pasado a al de ropa y juguetes, pero hay está con dignidad, adaptándose y manteniendo su presencia en las calles de la ciudad. Ojala que así sea por mucho tiempo.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

ARTE EN EL CAFE

2011-12-05T16:15:00.000+01:00

Por si alguien se cree que es un artista haciendo café, aquí tiene una pequeña muestra para inspirarse y aprender. Está claro que el aroma no lo es todo (con el permiso de George Cloneey)

NUEVOS CIERRES GRAFITTADOS EN VALENCIA

2011-12-03T19:15:00.002+01:00

Poco a poco, va mejorando la calidad de los cierres pintados en Valencia. La elaboración de los mismos aumenta, así como su encaje visual con el entorno. Algunos logran efectos realmente sorprendentes, constituyendo un elemento que le da un valor añadido al local y a la calle. Muchos comercios "tradicionales", antes reacios a emplear lo que parecía ser más propio de locales marginales o nocturnos, empiezan a valorarlo como un complemento mas a su estética, que además de sirve para mantener alejados a grafitteros desaprensivos.

Aquí van unas cuantas muestras nuevas:

JOSE PAYA ZAFORTEZA

LA EVOLUCION URBANA DE VALENCIA REFLEJADA EN LA FOTOGRAFIA DE PAISAJE Y AEREA (1)

2011-12-01T22:26:00.006+01:00

No es una fotografía, pero está basado en una. En 1863, Guesdon, grabador y litógrafo francés realizó esta espectacular vista de Valencia, poco antes de que se derribaran las murallas. Para lograr esta litografía ascendió en globo junto con el fotógrafo y aeronauta galés Charles Cilfford. Fueron necesarias varias ascensiones para tomar fotos de la ciudad desde distintos puntos. Pese a que a veces las fotografías salieron ligeramente borrosas, sirvieron para realizar un detallado y preciso dibujo sobre el que se plasmó esta interesantísima litografía. Este procedimiento lo repitió en numerosas ciudades de España y Europa, publicando posteriormente un espectacular álbum.

Una de las primeras fotografías de Valencia. Muestra la Ciudadela, con el último lienzo de murallas que conservó la ciudad. El puente del Mar aparece en primer plano, con los accesos originales, que fueron sustituidos por las actuales escaleras, diseñadas por Javier Goerlich

Como simple curiosidad, esta es la primera fotografía aérea que se conserva. Corresponde a una vista de Boston y fue tomada en desde un globo aerostático por el fotógrafo James Wallace Black en 1860.

En esta hermosa vista, se aprecia recuadrado el llamado palacio de los Mustieles, tristemente derribado cuando se amplió el puente de Serranos. Este, con su ancho original aparece en primer término, visto desde la Alameda. Sobre el perfil de la ciudad, todavía se recortan nítidas cúpulas, torres y campanarios.

Vista del caserío que se apiñaba en donde se encuentra la actual plaza de la Reina (señalada en rojo). Se observa la calle que conducía a la Puerta de los Hierros de la Catedral (cuya estrecha fachada barroca estaba pensada para aprovechar el exiguo espacio disponible y dominar la calle). Todas esta casa se derribaron en varias fases entre los años 40 y 50 para crear la actual plaza.

Esta foto tiene dos puntos de interés: a la izquierda se observa la cúpula y la torre de la antigua iglesia de San Bartolomé. Este templo, que era el más antiguo de la ciudad, fue incendiado en los primeros días de la Guerra Civil. Quedó en tan mal estado, que el Obispado, en vez de restaurarlo, decidió derribarlo y vender el solar para viviendas. Solo se salvó la torre, que hoy en día aparece extrañamente adosada a un edificio de corte pseudo historicista.

El segundo punto de interés es el Palau de la Generalitat, en primer plano. El edificio tiene hoy en día dos torres. Sin embargo, aquí solo aparece una. La segunda se edificó en los años 50, completando el proyecto original, solo que 500 años después.

En esta tempranísima vista aérea de la ciudad, podemos contemplar el centro de la misma cuando se estaban llevando a a cabo actuaciones de gran importancia:

En el recuadro (1) vemos la Estación del Norte, en plena contrucción. La propuesta original contemplaba su edificación , más retrasada del centro, (donde se encuentra el actual túnel de Germanías). Sin embargo, oscuros intereses determinaron su emplazamiento actual, donde parte en dos todo el nuevo ensanche y el lado este de la ciudad.

En el recuadro (2), vemos la plaza de Emilio Castelar, actual plaza del Ayuntamiento, en proceso de transformación. Se han derribado las modestas viviendas que rodeaban a la antigua plaza, ensanchandola y dándole su superficie actual. Todavía no han comenzado a edificarse los (para la época) altos edificios que hoy en día la rodean,y conserva el arbolado y los quioscos modernistas que serían sustituidos en los años 30 por la "tortada" de Javier Goerlich (hoy desaparecida)

Por último, en el recuadro (3), aparece el barrio de Velluters, antes de su radical transformación por la creación de la Avenida del Oeste, que lo partiría por la mitad.

Tenemos una temprana vista de la Gran Vía , con numerosos solares todavía pendientes de edificar. En el recuadro tenemos a la Basílica de S. Vicente (Iglesia de los Dominicos). El templo destaca casi acabado, faltando solo la parte superior de las torres y sus agujas goticistas.

Podemos observar en el recuadro (1) el desaparecido Convento Jerusalem. Sobre su solar edificó Javier Goerlich en 1944 la actual casa Roig Vives. Valencia era una ciudad con numerosísimos conventos, la mayoría de los cuales se derribaron para abrir plazas ( Convento San Francisco, actual Plaza Ayuntamiento), edificar centros comerciales (Convento de Santa Catalina de Siena , hoy El Corte Inglés) o simples edifcios de viviendas.

La estación ya esta terminada y la plaza de Emilio Castelar va tomando forma poco apoco. El edificio de Correos ya está construido.

Aquí podemos ver otra vista del Convento Jerusalem. Se aprecia su huerta, el patio, así como la iglesia con mayor detalle. Es interesante ver junto al convento el campanario de San Agustín (otro antiguo convento), con su forma primitiva, que después de la guerra sería sustituido por un extraño remate neogótico.

Destacan en primer plano las Torres de Quart y la calles Quart y Caballeros. A la derecha (2), vemos en sucesión la iglesia de las Escuelas Pías con su gran cúpula, el Palacio de los Condes de Parcent, tristemente derribado para dejar sitio a una anodina plaza y la iglesia de los Santos Juanes. El Mercado Central todavía no se ha edificado.

Aparece aquí el bastión de la Ciudadela, que conservaba las últimas murallas de Valencia, derribado en los años 50. Todo el arbolado de la Glorieta (cruzada por una vía que posteriormente se cerró) y Plaza Alonso el Magnánimo aparece recién plantado.

Aparece una Calle Colón, muy distinta a la actual, más armoniosa, con sus edificios eclécticos de solo 4 o 5 alturas. Destacan por su altura a la derecha (2) los nuevos edificios que se estaban construyendo en la Plaza Emilio Castelar

Vista aérea de una minúscula Plaza de la Reina, Santa Catalina y la calle San Vicente.

FILMACIONES INÉDITAS DE LOS MAESTROS DEL IMPRESIONISMO: DEGAS, MONET, RENOIR, RODIN

2011-11-26T19:02:00.001+01:00

Todos estamos acostumbrados a ver los cuadros impresionistas, que en algunos casos nos los sabemos de memoria. Lo que no es habitual es encontrar grabaciones filmadas de estos maestros. Lógico, si pensamos que la primera proyección de cine se realizó en1895, cuando algunos impresionistas ya habían fallecido (Manet, Sisley, Van Gogh) y otros estaban entrando ya en una edad más que madura (Monet, ...)

Por eso interesan estas imágenes. Por primera vez nos muestran a varios maestros del impresionismo, pintando, paseando, en el trabajos, etc.... Os invito a que las disfrutéis:

1.- Monet hablando, pintando y enseñando su jardín:

Secuencia de casí tres minutos en las que un orondo Monet, (era un gran aficionado a la buena mesa) hablando, pintando, paseando y mostrando su jardín de Giverny

Ir a Monet pintando un cuadro de "Ninfeas"

2.- Renoir pintando:

Ene este vídeo vemos a un anciano Renoir, con las manos agarrotadas por la artritis (al final de su vida le tenían que atar los pinceles a las manos). Es ayudado por unos solícitos colaboradores que le retiran los pinceles y la paleta, mientras fuma con evidente delectación

Renoir pintando en su vejez

3.- Degas dando un paseo con una mujer.

Breves imágenes en las que se ve a un anciano Degás andando por una calle.

Ir a Degás paseando por una calle de París

4.- Rodin trabajando

Vemos a Rodin paseando e inspeccionando un edificio monumental, paseando en su jardín, en su casa y (futuro Museo Rodín), esculpiendo.

Filmaciones de Rodin

EXPOLIO Y PERDIDA DEL PATRIMONIO ARTISTICO ESPAÑOL: TRES MOMENTOS TRAGICOS

2011-11-21T15:14:00.011+01:00

Es indudable, que España es junto a Italia y Francia, de los paises que más património histórico artístico atesora de Europa. Sin embargo, este podría ser hoy mucho mayor de no haberse producido acontecimientos lamentables en nuestra historia, que a veces de manera innecesaria y vana, lo han mermado de manera notable. El odio y la guerra, la incultura, la codicia y la dejadez de las oligarquías y la barbarie de las masas, se han unido a menudo contra el interés común y al final no cabe sino decir que a veces tenemos lo que desgraciadamente nos merecemos.

En nuestra larga historia, la pérdida y expolio ha sido una constante (como en la mayoría de las naciones). Sin embargo hay tres momentos trágicos en los que estos hechos se han acentuado. Son los siguientes:

1 - 1808 / 1814: LA GUERRA DE INDEPENDENCIA CONTRA NAPOLEON

Toda guerra que se extiende por un territorio deja detrás de sí un inevitable rastro de destrucción. En nuestra Guerra de Independencia se luchó por todo el país, produciéndose el sitío de numerosas poblaciones que casi quedaron arrasadas (Zaragoza, Gerona ), con la pérdida de valiosos edificios.

A estas destrucciones se sumó el pillaje de obras de arte llevado a cabo por Napoleón en su intento de crear en París el Museo Napoleónico. Este albergaría todas las obras de arte saqueadas durante sus campañas por Europa. Numerosas pinturas fueron llevadas allí para no volver. Igualmente la oficialidad y las tropas francesas (y en menor medida también las inglesas) robaron todo aquello que juzgaron de valor y pudieron llevar consigo.

La "Inmaculada de Soult" de Murillo. Durante la Guerra de Independencia fue expoliada y llevada a Francia por el mariscal Soult en 1813; para el Museo Napoleónico. Expuesta casi durante un siglo en el Louvre, ingresó en la colección del Museo del Prado tras un intercambio de obras de arte con el gobierno francés en 1941

Una manifestación artística que sufrió especialmente fue la orfebrería. Custodias monumentales, cruces procesionales, arcas, etc.. fueron robados, requisados y fundidos por uno y otro bando para transformar en lingotes o monedas sus metales preciosos (Así pasó con el antiguo Retablo Mayor en plata de la Catedral de Valencia, fundido en Mallorca en 1812)

Actual Custodia de la Catedral de Murcia. Este tipo de obras en plata y oro eran una fuente fácil de enriquecimiento ilícito o financiación del esfuerzo de guerra.

Igualmente triste fue la desidia en la recuperación del patrimonio mostrada por las autoridades legítimas españolas. Ejemplo claro es el desinterés por hacerse cargo del tesoro en obras de arte con el que José Bonaparte trataba de escapar a Francia. Recuperado por Wellington, éste esperó infructuósamente una respuesta de las autoridades españolas para restituir las obras. Al final, todo este patrimonio, que contenía más de 100 obras de primerísimos maestros, fue regalado "graciosamente" al duque por Fernando VII. Hoy estos cuadros forman hoy el núcleo principal de la colección de Wellington en Aspley House. Hay obras de Velazquez (4), Murillo, Zurbarán Ribera, Rubens, rafael, Tiziano, Corregio, etc...

"El aguador de Sevilla", de Velazquez, obra porcedente del equipaje de José I, hoy en Aspley House, mansión del Duque de Wellington

Si deseas conocer más información en detalle sobre el saqueo de obras de arte durante la Guerra de la Independencia, aconsejo el siguiente enlace:

El saqueo artístico durante la Guerra de la Independencia

2- LA DESAMORTIZACION DE MENDIZABAL (1836)

La desamortizaciónes fueron un intento de modernizar España, llevado a cabo por los distintos gobiernos liberales durante el S. XIX. La más conocida es la que realizó Mendizabal en 1836. Significaban la expropiación forzosa y subasta pública de todos aquellos bienes que las "manos muertas" principalmente la Iglesia, habían acumulado a lo largo de siglos, por herencias, donaciones, etc.. No lograron su objetivo, ya que debido a la corrupción, fueron oligarcas y latifundistas los únicos que pudieron acceder a su compra. A cambio significó el abandono y ruina de monasterios, iglesias conventos. Muchos fueron derribados para emplear sus materiales para obras nuevas o aprovechar el solar. Otros sufrieron usos completamente ajenos y perjudiciales (almacenes, fábricas) y a los más simplemente se les dejo caer en la ruina.

Junto con los edificios desaparecieron también gran cantidad de libros, códices, cuadros, etc... que o bien fueron vendidos en el extranjero, o se perdieron al desconocer sus nuevos dueños el valor de los mismos

El Monasterio de la Valldigna, en la Comunidad Valenciana. Desamortizado en 1836, su interior llegó a ser utilizado como campo de naranjas, establo y almacén. Se llegó a introducir maquinaria pesada e incluso se emplearon explosivos en el interior. (foto y referencias J.Diaz Arnal)

Interior de la iglesia del Monasterio. Comprado por la Generalitat en 1991, se iniciaron de inmediato las obras de rehabilitación, que lograron salvarlo de la ruina inminente (foto y referencias J.Diaz Arnal).

Según las leyes desamortizadoras, todos los bienes artísticos que contenían los edificios pasaban a ser custodiados por el estado. En la práctica esto apenas ocurrió. Los retablos fueron desmembrados, las obras de arte pasaron a terceras manos que a su vez los revendieron hasta que se perdió su pista. Muchas salieron fuera del país. En su conjunto, las desamortizaciones supusieron un fracaso como intención modernizadora y una pérdida irreparable de monumentos y obras de arte, que desaparecieron en su mayoría para no volver jamás

El Monasterio se Santes Creus en Tarragona. otra víctima de la desamortización, que logro ser rescatada de la ruina que padeció durante el S. XIX:

Para conocer más detalles sobre el expolio que supuso la desamortización se pueden consultar las actas de un simposio sobre este tema en el siguiente enlace:

Cosultar actas sobre el expolio artistico causado por la Desamortización

Valencia era una ciudad conventual, pródiga en establecimientos religiosos de este tipo. Si quieres conocer los conventos valencianos, que fueron afectados por la desamortización, puedes consultarlo en el siguiente enlace:

Los conventos afectados por la Desamortización de Mendizabal en Valencia

3- REVOLUCION Y GUERRA CIVIL (1936 /1939)

Especialmente triste es el caso de los innecesarios incendios provocados por las masas incontroladas en los primeros días que sucedieron a la rebelión miliar del 18 de Julio. Enfevorecidas por el odio y el miedo, las multitudes entraron en los templos, donde tras saquearlos, incendiaron su interior con todosu contenido.

Solamente en Valencia ciudad, la lista es desoladora. El recién constituido Museo de Arte Sacro en el Palacio Episcopal ardió hasta los cimientos. Todo su contenido, que se había seleccionado cuidadosamente entre lo mejor de las iglesias de la Diócesis se perdió. Numerosos templos ardieron, quedando arruinados más allá de lo recuperable, acabando derribados (San Bartolomé). De las que sobrevivieron, la mayoría perdieron sus valiosísimos retablos, pinturas murales, etc. Ofrecien hoy un extraño aspecto interior, descabezado y frío por la ausencia de sus retablos o su sustitución por obras modernas de desigual fortuna. La lista es muy larga: la Catedral, el Carmen, Santos Juanes, San Juan de la Cruz, San Martín, San Juan del Hospital, etc.. Todas ellas poseían un patrimonio artístico riquísimo y hoy solo son sombra de lo que fueron. También se perdieron casi todos los archivos parroquiales, fuentes valiosísmas para la investigación histórica.

Para conocer la lista completa de templos dañados, se puede consultar el siguiente enlace:

Enlace a la lista de obras de arte religioso dañadas durante la guerra

Interior de la Iglesia de los Santos Juanes en Valencia, antes del incendio que sufrió en 1936. Era el templo más rico de Valencia

Interior destrozado tras el incendio provocado en 1936

El abside con un altar provisional y la bóveda pintada por Palomino, calcinada.

Interior del ábside hoy en día. El retablo se sustituyó por otro traído de un pueblo de Soria, valioso pero que se pierde en el mismo. Las pinturas, completamente desaparecidas.

A esto hay que añadir los daños producidos por las operaciones militares y los bombardeos que el bando rebelde efectuó de forma indiscriminada sobre numerosas poblaciones.

Detalle de los daños causados en Valencia por los bombardeos nacionales

Daños causados por las bombas rebeldes en la Iglesia de Santa Catalina (Valencia)

Queda por reseñar en una futura entrada lo que ha significado el periodo de 40 años comprendido entre 1940 y 1980 para el patrimonio histórico artístico. Pero será en otro momento. Quien quiera profundizar más en éste tema, pueden consultar el siguiente enlace:

Dispersión y destrucción del patrimonio artístico español

JOSE PAYA ZAFORTEZA

MAS COSAS SOBRE EL MAPPING 3D

2011-11-16T18:35:00.001+01:00

A raíz del vídeo de la entrada pasada sobre LG Optimus, me ha picado la curiosidad por averiguar más sobre el Mapping 3D. y esto es lo que he averiguado:

El mapping 3D proyectado es una técnica innovadora, surgida durante el año 2010, que consiste en adaptar la proyección a la arquitectura del edificio, modelizando en 3D elementos característicos de la construcción. Es un desarrollo derivado de los programas de texturización de videojuegos. Un láser escanea toda la fachada del edificio y la recrea en 3D. A continuación ya se puede jugar con todos los elementos y lograr un espectáculo artístico único con un fuerte impacto sobre el público. Se suelen buscar edificios de un marcado carácter monumental y se trata de jugar mucho con los elementos arquitectónicos del mismo: los ladrillos se caen en cascadas, los planos de la fachada se mueven y alteran, aparecen personajes correteando por zonas imposibles, etc.

Este tipo de proyección animada es una nueva vía de comunicación publicitaria. Gracias al impacto visual y dinamismo de las imágenes en movimiento sobre la fachada del edificio se consigue la asociación de la imagen del cliente (corporativa, marca o de producto) a soportes novedosos que captan la atención del público. También es muy empleado por instituciones que tratan de realzar grandes eventos. En estos momentos se considera la acción de marca más "cool" que una compañía puede realizar para conectar con el público.

A continuación os pongo los enlaces para que disfrutéis con algunas de las mejores realizaciones hechas hasta hoy:

BMW JOY 3D

PROYECCION ARQUITECTONICA SOBRE ROCHESTER CASTLE ARQUITRVC

PROYECCION EN EL TEATRO DE FIGUERES

PROYECCION ARQUITECTONICA EN LYON

MAPPING EN DALLAS PARA LA PROYECCION DEL TURISMO LOCAL

MAPPING EN UN EDIFICO EN LONDRES

MAPPING SOBRE EL CRISTO DEL CORCOVADO. RIO DE JANEIRO

JOSE PAYA ZAFORTEZA

LG OPTIMUS: LA MEJOR PROYECCION ANIMADA SOBRE UNA FACHADA JAMAS VISTA

2011-11-14T16:07:00.001+01:00

Para la promoción de su nuevo teléfono Optimus, la empresa LG recientemente realizó en Berlín una proyección animada gigante sobre la fachada de un edificio. Es lo más asombroso que he visto nunca en este tipo de proyecciones. Esta tecnología que se conoce como Mapping 3D Arquitectónico, ha ido avanzando desde unos modestos comienzos como simple iluminación de edificios para lograra actualmente unos resultados increíbles. Un logro absoluto de la imaginación y el arte aliado con la técnica. Pinchar en el siguiente enlace y juzgad vosotros mismos:

LG OPTIMUS SUPER FACHADA EN BERLIN

MAS SOBRE LA PROTECCION DE LAS PINTURAS DE LA LUZ: ¡OJO CON LAS ACUARELAS!

2011-11-11T13:27:00.000+01:00

De todas las técnicas artísticas, la acuarela es la más sensible a los efectos de la luz. Una acuarela, a medida que va acumulando tiempo de exposición, se va decolorando casi imperceptiblemente. Es al cabo de los años cuando se percibe con claridad que ha perdido su viveza de colorido original y se va agrisando. El efecto es tan notable que muchos acuarelistas de hoy imitan erróneamente en sus obras actuales ese agrisamiento propio de las acuarelas antiguas. Creen así que emplean la paleta de colores original de un acuarelista famoso. Sin embargo, es un error, ya que esas acuarelas en realidad han perdido la frescura de su color auténtico.

Una acuarela original, antes de ser sometida en una cámara a una exposición intensiva a rayos ultravioleta.

La misma acuarela tras un periodo de exposición en la cámara. la pérdida del colorido original es evidente

Esta fragilidad de la acuarela es tan notoria, que las marcas que fabrican pinturas a la acuarela, clasifican sus gamas de colores en función de su grado de transparencia y de resistencia la la luz , que va de permanente, resistente a la luz, medio, fugaz o extremadamente fugaz. Además hay que tener en cuenta que el papel de acuarela también es muy sensible a los efectos de la luz, amarilleandose y perdiendo elasticidad.

Acuarela original de Girtin, uno de los grandes acuarelistas ingleses del S. XVII, en la que se observa claramente el agrisamiento general del color.

La conclusión es que es imprescindible proteger a las acuarelas de los excesos de iluminación. Quien visita una galería de acuarelas o pasteles en un museo, lo primero que le llama la atención es la iluminación tan atenuada que hay en la sala, precisamente para evitar esos deterioros. Obviamente en nuestra casa no podemos estar a oscuras, pero si tomar algunas precauciones (protegerlas de los rayos solares, nada de focos ni luces intensas) para evitarnos algún disgusto posterior.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

COMO CONSERVAR OBRAS DE ARTE EN CASA (2): CONTROLAR LA HUMEDAD Y LA TEMPERATURA

2011-11-07T12:44:00.002+01:00

La conservación de nuestro patrimonio en el hogar es un tema al que conviene prestarle un mínimo de atención para evitar luego males mayores

Siguiendo con el tema de cómo conservar nuestros cuadros en casa, vamos a ver que hacer con los cambios extremos de temperatura y humedad. Estos conviene evitarlos, ya que provocan dilataciones y contracciones en los lienzos, que acaban provocando abolsamientos, arrugas y la aparición de craqueladuras (esa pequeña red de grietas frecuentes en los cuadros antiguos) en la superficie del cuadro.

Craqueladuras causadas por la contracción y dilatación del lienzo a lo largo de los años

QUE HACER CON LA HUMEDAD

Es conveniente mantener una humedad relativa y temperatura moderadas y estables. Para pintura de caballete, el nivel óptimo de humedad relativa es del 40 por ciento, En cuanto a la temperatura ideal de conservación, 19 ºC. Ya que estas condiciones a veces son dificiles de lograr en casa, es aconsejable al menos:

- No colocar pinturas cerca de fuentes de calor intenso (radiadores, chimeneas, etc…).

- No colocar la pintura bajo el flujo directo de un aparato de aire acondicionado, ya sea de frío o calor.

- La humedad excesiva provoca la aparición de hongos y mohos. Si en casa hay este problema, no colgar el cuadro cerca de esta zonas

- Otra forma de prevenir los mohos es creando una corriente de ventilación en la trasera del cuadro. La forma de hacer esto es colocando dos pequeñas alcayatas en los extremos inferiores del marco, de forma que el borde inferior de este no toque la pared y permita su ventilación constante.

- No colgar una pintura original en un cuarto de baño (salvo que uno sea tan hortera como Roca, claro). Los frecuentes excesos de humedad no tardarán en dañarlo.

Reverso de un lienzo mostrando la acción de hongos por exceso de humedad

En zonas costeras, sótanos y plantas bajas, la excesiva humedad favorece el desarrollo de mohos que llegan a producir decoloración y descomposición. Hay que tratar de evitar almacenar o colgar pinturas en esas zonas.

HUMOS DOMESTICOS

Tratar de evitar la presencia de humo frecuente en la habitación donde esté colocada su pintura. Afortunadamente cada vez se fuma menos. Si no podemos evitarlo, como mínimo:

- No colgar el cuadro sobre una chimenea que se use. Es el mejor método de ver como en pocos años se oscurece y toma un hermoso color negro.

- No colgar un cuadro en la cocina. Los humos y grasas de la cocción se depositaran en la superficie del cuadro, que adquirirá una agradable textura pegajosa

LA CONTAMINACION

Capa de contaminación sobre Madrid

Un agente destructor tan dañino como la luz es la polución atmosférica. El dióxido de azufre procedente de la contaminación tiene una corrosividad que ataca a los barnices de los cuadros. Si vivimos en zonas con mucho tráfico, lo podremos notar en la mayor cantidad de polvo que se acumula en nuestras casas y en la superficie de los cuadro. también en ocasiones se puede acelerar el amarilleamiento de algunos barnices.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

ALGUNOS CONSEJOS PARA CONSERVAR NUESTROS CUADROS Y PINTURAS (1): PROTEGERLOS DE LA LUZ

2011-11-02T17:46:00.002+01:00

Imagen de Santa Ana,sometida a un proceso de limpieza en nuestro taller. El fuerte amarilleo de la superficie es debido a una oxidación de barnices, acelerada por la exposición a la luz solar

Muchas veces no sabemos como conservar las obras de arte que tenemos en casa. Lo que es bueno y lo que es malo para ellas. Por ello vamos a daros algunos consejos, fruto de nuestra experiencia. El primero tiene que ver con la luz, tanto la artificial como la natural. Por extraño que parezca, el exceso de iluminación es uno de los mayores peligros para la conservación de la pintura. Esto es debido a la radiación ultravioleta presente en la luz solar y artificial. Por ejemplo, los efectos de la luz sobre los ingredientes de las pinturas al óleo son muy evidentes: se produce la decoloración de los barnices, su craqueladura y descomposición, además de un descenso en la intensidad cromática, degradando los colores y apagando su fuerza.

Por ello, teóricamente, la forma más perfecta de conservar una obra de arte sería la de no exhibirla o guardarla en recintos especialmente construidos a prueba de toda luz. Como esto es un poco radical, podemos encontrar un término medio con un límite de seguridad que permita su contemplación en casa sin riesgos. Por eso os aconsejamos:

Evitar por cualquier medio ( cortinas, stores, etc..) que los cuadros estén expuestos a la luz solar directa. Si es necesario, hay que plantearse cambiar su ubicación.

Huir de los típicos foquitos que iluminan de forma constante al cuadro. Además de que es muy retro y ya no se lleva nada, suponen un aporte de luz y calor indeseable para el lienzo.

Lo ideal sería iluminar los cuadros de forma indirecta. De esta forma también evitaríamos los brillos molestos que provoca el barniz protector de la pintura.

Las pinturas a la acuarela y el pastel son delicadísimas, por lo que tienen que recibir muy poca luz y nunca directa, ( 60 lux máximo). La vulnerabilidad de estas técnicas a la luz es muchísimo mayor que la de los óleos y acrílicos ( 150 – 200 lux de iluminación aconsejable ). Como no creo que tengáis un luxómetro en casa (o sea, el aparato que mide la luz), lo que hay que hacer es evitar sobre ellas todo tipo de luz fuerte.

En la próxima entrada hablaremos sobre la influencia de la temperatura y la humedad en las pinturas.

CONTINUA LA TRADICION CRITICA Y ALTERNATIVA EN LOS NUEVOS MURALES DEL CARMEN

2011-10-05T22:06:00.003+02:00

Justo en la intersección de las calles Alta y Baja, se encuentra esta finca, objeto frecuente de grafitteros. Es comprensible, puesto que su forma achaflanada y estrecha, dominando las dos calles en vértice, la hacen muy atractiva.

Desde hace unos meses,las medianeras del Barrio del Carmen de Valencia se están cubriendo de grafittis monumentales, que le están dando la vuelta a numerosos rincones, hasta ahora de dificil solución estética. Medianeras y esquinas imposibles, cobran nueva vida y se tornan atractivas. Donde antes uno solo veía una pared indeseable, ahora hay una pintura mural que juega inteligentemente con las formas y condicionantes del muro para lograr un resultado sorprendente. Los mensajes sueles ser irónicos, en ocasiones bastante ácidos.

Detalle del gato chamuscado

En el fondo, me parece bien que el barrio, cada día más restaurado, habitable y burgués, vamos, más "normal", no pierda ese regusto canalla y bohemio, por el que tantos le conocimos. Si no corre el riesgo de convertirse en un "parque temático" de si mismo para visitantes, como le pasa a muchas ciudades que sufren la bendición-maldición del turismo. Afortunadamente en el Carmen aun queda mucho recorrido para llegar a ello. Sigue siendo un barrio en el que campea una cierta negligencia hacia las formas entre un entorno urbano artístico y monumental de gran atractivo.

La otra fachada también recibe la atención del artista

Con este tipo de grafittis, se trabaja a medio camino entre la recuperación ornamental de las calles y continúa a la vez la conciencia alternativa, radical y ácrata que siempre caracterizó a la zona. Me parece estupendo. En el Carmen tenemos nuestro Monmartre valenciano (con el permiso de Russafa), vivido, con el punto necesario de cutrerío y mugre para hacerlo veraz y auténtico.

La medianera del Centro Excursionista ofrece este curioso aspecto

Detalle del caracol

Los coches s estampan en el suelo, en esta reivindicación contra la omnipresencia del tráfico

JOSE PAYA ZAFORTEZA

INTERESANTE POWER POINT SOBRE LA EVOLUCION, DEGRADACION Y REHABILITACION DE VALENCIA

2011-10-01T10:58:00.003+02:00

Un urbano, dirigiendo el tráfico de la Plaza del Ayuntamiento en los años 50

Curioseando por Internet, he encontrado este Power Point sobre el crecimiento y formación del centro histórico de Valencia. Contiene abundante cartografía histórica, unas ya conocidas por todos y otras nuevas. Es muy interesante el último tercio de la presentación, dedicado a comentar los planes de recuperación y rescate del centro, que desde 1980 hasta hoy se han sucedido en Valencia. Es notable ver el cambio de mentalidad que se produjo en nuestra administración municipal: de 1940 a 1979 se genera la ruina, abandono y destrucción del tejido urbano. Con el Plan de 1980 el péndulo se va hacia el lado opuesto, bloqueándose cualquier tipo de derribo y solo permitiéndose intervenciones de rehabilitación integral. Cuando se constata que esta rigidez impide la recuperación del centro, finalmente se opta por una solución intermedia. Teniendo como objetivo la el mantenimiento y revitalización de los barrios, se permite el derribo de edificios ruinosos y el "esponjamiento" de la trama urbana mediante la apretura de plazas, a la vez que se crea una oficina municipal de rehabilitación, el RIVA, que ha demostrado ser de gran eficacia.

Tenéis que tener en cuenta que este Power debía de ir acompañado de una exposición hablada, por lo que muchas diapositivas os parecerán un poco incompletas. Aun así, creo que merece la pena.

Descargar Power Point de la UPV sobre el centro histórico de Valencia

JOSE PAYA ZAFORTEZA

COMO SE RESCATA UN MURAL MODERNISTA

2011-09-27T07:16:00.000+02:00

La Casa Ferrer, en Valencia

La Casa Ferrer es probablemente el edificio modernista de más calidad que hay en Valencia. Constituye además la primera y única obra de su arquitecto, José Ferrer que ante la incomprensión que generó un diseño tan avanzado decidió retirarse de el ejercicio activo de la arquitectura, antes que plegarse a las imposiciones "provincianas" de sus clientes. Su estilo está inspirado en la "Sezesion" austriaca y es una obra única en Valencia.

Detalle de la fachada

Desde hace unos meses, en Gaia estamos trabajando de lleno en una vivienda de esta finca, restaurando tanto la carpintería, como las vidrieras y un maravilloso mural esgrafiado ubicado en una de las salas.

El esgrafiado es una técnica decorativa que consiste en hacer incisiones sobre el cuerpo del objeto o pared, en la parte superficial, de manera que quede al descubierto la capa inferior, que es de otro color. Generalmente se usan plantillas para conseguir motivos geométricos o decorativos de repetición.

En concreto estos esgrafiados se encontraban cubiertos por varias capas de pintura que no permitían ver la diversidad de color de los diferentes relieves.

Estado inicial del mural

Detalle del estado inicial con alguna cata realizada

Por lo tanto el primer trabajo que se tuvo que realizar fue el de eliminar las capas de pintura para determinar en qué estado se encontraban los originales.

Proceso de limpieza mecánica

Esta primera limpieza se realizó de forma mecánica, humectando la superficie para reblandecer y posteriormente con ayuda del bisturí realizar el levantamiento de las diferentes capas.

Detalle de la limpieza mecánica

Con mucha delicadeza se fueron levantando una a una todas las capas que se superponían a la original.

Media limpìeza mecánica realizada

Otro ejemplo de la limpieza mecánica a medio realizar, donde se observa el surgimiento de los colores originales

En determinadas zonas se tuvo que consolidar la película pictórica que se encontraba levantada, para evitar su eliminación con el resto de capas de pintura aplicadas encima.

Proceso de asentamiento inicial

Asentamiento inicial

Detalle del asentamiento del color original

Parte del proeso de asentamiento

Esta limpieza tuvo que ser completada con otra de carácter químico para eliminar capas de suciedad, y la capa más próxima al color original.

Limpieza química realizada en la obra tras la mecánica

Posteriormente se sellaron pequeñas grietas y se estucaron (rellenar con yeso o estuco) los agujeros que tenía la obra

Aplicación del estuco

Proceso de rebajar el estuco para igualarlo a nivel de superficie con el original

Aplicación de la goma laca para sellar la superficie del estuco nuevo e igualar el nivel de brillo posterior

Los últimos procesos fueron la reintegración (se realizó con témperas y la técnica del regattino) y la protección final con la que se ha terminado de fijar el color.

Reintegración cromática

Hojas acabadas de reintegrar

Observemos el antes y el después de la intervención:

Antes de ser intervenida la obra

Despues de la intervención

Antes de comenzar los trabajos

Al finalizar la restauración

El mural es precioso. Se ha llevado tres semanas de trabajo de dos restauradoras de Gaia, pero el trabajo, desde luego ha merecido la pena.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

SOBRE BASURAS, CONTENEDORES Y EL CENTRO HISTORICO

2011-09-22T15:47:00.003+02:00

Un "elegante" y "estilizado contenedor", que justo frente a la puerta del Mercado Central, despierta la admiración de los propios y la perplejidad de los extraños

Soy aficionado a pasear por mi ciudad (Valencia) y ver como nuestro ayuntamiento va esforzándose en mejorar la imagen que damos a nuestros tan deseados turistas. Por eso, no deja de llamarme la atención la presencia por todas las esquinas del centro histórico de coloristas y olorosos contenedores, aptos para recoger basura y reciclaje de todo tipo de materias. Esto me parece estupendo, ya que está bien dejar de ser marranos y aún mejor reciclar todo lo posible, aunque sea al precio de mandar a paseo toda nuestra esmerada estética urbana.

Allí están, en grupos enormes y malolientes, estropeando con su presencia cualquier vista de una plaza, monumento o fuente. Sorprende la naturalidad e inevitabilidad con la que todo el mundo acepta su presencia. Debe ser que ante la fealdad permanente, uno se acostumbra a todo y lo asume. Pues está muy bien reciclar y contar con un servicio eficiente de recogidas, pero uno ya ha visto en otras ciudades como los contenedores están enterrados y en su lugar unas discretas tolvas emergen a la superficie ahorrándonos a todos la vista y el olor de los susodichos.

Siguiendo con las propuestas de renovar el mobiliario urbano en los entornos monumentales, qué mejor para la Plaza del Collado y la Lonja, que este contenedor de pulidas y armoniosas formas. Su adecuación al entorno, es más que evidente.

Otra vista del simpático recipiente. Su adecuación al entorno urbano es más que evidente.

Ver como nuestros nuevos turistas pasean y observan la ciudad. Contemplar su admiración por algún entorno o monumento y al la vez tener que digerir la presencia en primer plano de una batería de contenedores de basura, es más de lo que cualquier alma cultivada puede asumir. Por eso no deja de llamarme la atención que en ningún periódico, artículo o programa de partido político, aparezca una línea sobre el tema. Supongo que el soterramiento debe de ser caro, pero la apariencia de la ciudad, al menos en el centro histórico ganaría mucho.

Quien quiere fuentes, si luego las vamos a tapar con contenedores y coches, mucho más prácticos y útiles

Para muestra, aquí os traigo unas cuantas vistas de plazas, y entornos monumentales de Valencia, “realzados” por estas bomboneras. Supongo que el criterio para su ubicación será el de la máxima eficiencia en la recogida , pero obviamente no el de la estética urbana. Y es una lástima, puesto que les cierto que La ciudad está cada día más bonita, tal como nos confirman viajeros y visitantes.

Por eso propongo crear un plataforma cívica “por el soterramiento de los contenedores”. Podríamos llamarla “Soterrem” al estilo de las de “Salvem el Cabanyal” o el “Botanic”, que tanto éxito han tenido. De entrada, todos los que queráis subir fotos, adelante. Serán bienvenidas.

El airoso Micalet, no podría tener mejor compañía que esta completa familia de contenedores, ubicada en la plaza de la Reina, para solaz de los turistas

La Plaza de la Reina cuenta con la "suerte" de disponer de varias familias de "cucos" recipientes.

Compárese lo anterior con las discretas tolvas para contenedores

JOSE PAYA ZAFORTEZA

A PARTIR DE SEPTIEMBRE, "ARTE Y ARTIFICIOS" TAMBIEN EN FACEBOOCK

2011-09-16T12:50:00.001+02:00

Si te gusta "Arte y Artificios" también puedes seguirlo en

http://www.facebook.com/gaiarestauracion.

Allí, con otro formato más participativo y abierto a vuestras sugerencias, continuaremos tratando sobre los temas que nos interesan a todos, investigando curiosidades y peculiaridades artísticas, arquitectónicas, de restauración y patrimonio.

Animaros y vamos a continuar este año disfrutando juntos.

José Payá Zaforteza

¿PORQUE LOS ARTISTAS SOMOS TODOS RAROS?

2011-06-25T12:33:00.004+02:00

Paradigma del artista extravagante, Dalí supo obtener unos magníficos réditos comerciales a toda su cadena de rarezas, "actuaciones" y excentricidades.

Los artistas somos raros porque muchos, simplemente somos así y además es lo que más nos conviene y se espera de nosotros. Los creadores vivimos de la notoriedad, la singularidad y la genialidad. Cuanto más públicas, mejor. Estas deben de manifestarse tanto en nuestra obra como en nuestra apariencia y forma vida. Por ello provocamos constantemente al espectador, que si no se sentiría muy defraudado.

Estas "peculiaridades" no siempre fueron asociadas a la figura del artista. Durante la Edad Media, éste no era más que un artesano especialmente cualificado. Los pintores vivían de los encargos de la iglesia o de la realeza. En la elaboración de un retablo intervenía un complejo equipo de carpinteros, tallistas, doradores, policromadores y finalmente, los pintores. Simplemente eran uno más en la “cadena de producción”.

Como los demás artesanos respetables, se agrupaban en gremios. El suyo solía ser el de San Lucas, conocido por ser el pintor de la Virgen. El pintor era un artesano quizás con una capacidad especial, pero su reconocimiento social era el mismo que el que podían tener un carpintero o un tintorero. La prueba es que no solían firmar sus obras ya que no consideraban que su trabajo mereciese ningún tipo de reconocimiento singular. Esto obliga a que hoy en día, a los autores de las tablas góticas se les identifica con el nombre del lugar del que proceden las obras: “Maestro de Altura,” o “Maestro de Segorbe”, ya que no van firmadas.

Uno de los primeros autoretratos conocidos de artistas: el del escultor alemán Adam Kraft. Se presenta a sí mismo de forma orgullosa y hasta un poco desafiante para la época (S. XV)

Tampoco son habituales los autoretratos de los artistas, ya que ellos mismo no se consideraban personas especialmente dotadas que mereciesen ser inmortalizadas.

Con el Renacimiento surge la figura del artista como alguien dotado de una sensibilidad especial, cuyas obras trascienden y sobrepasan el nivel común de las realizaciones humanas. Se empieza a cultivar la figura del “genio artístico”, como alguien capaz de realizar cosas sorprendentes. Artistas como Miguel Angel, Rafael y Leonardo obtienen una consideración especial por parte de reyes y papas, que se disputan y hacen lo indecible por conseguir sus servicios. Esta tendencia se confirmará en el Barroco y llegará a su culmen durante el S.XIX.

Van Gogh con la oreja cortada, muestra de su desequilibrio interior.

Durante el Romanticismo, los artistas son considerados como seres de vida un tanto efímera, sufridores de una sensibilidad casi enfermiza. Con el impresionismo y la figura de Van Gogh, se consolida el arquetipo del artista genial que tiene necesariamente que pasar por un calvario de penalidades y sufrimientos debidos a la incomprensión social. Y esta es la figura que se ha consolidado. El artista debe de ser excéntrico, inconformista, original, en definitiva: raro a más no poder. Si no, es que no debe de ser muy artista.

Es lógico que tengamos puntos de excentricidad. Al ser creadores, forzosamente debemos aventurarnos a explorar terrenos nuevos. Nos alejamos de los senderos ya trillados y vivencias más corrientes. Para adentrarse en estos nuevos caminos, uno se apoya en una sensibilidad y una originalidad especial. Si a esto unimos que muchas veces vivimos sumidos en cavilaciones sobre nuestro trabajo, es fácil que parezcamos excéntrico.

El público burgues, ve al artista con cierta envidia, ya que observa su aparente vida sin horarios ni obligaciones, que contrasta fuertemente con sus rígidos horarios. Normalmente suele haber una cierta envidia ya que se piensa que viven como dios sisn pegar ni golpe. Es lo que se ha venido a llamar la "vida bohemia"

Andy Warhol: otro gran cultivador de su imagen

Sobre todo esto es lo que se ha construido la figura actual del artista moderno. Si quiere triunfar, ante todo debe procurar crearse un "personaje" convincente, cuyas rarezas, bien aireadas por los medios, sean fiel reflejo de la presunta genialidad que bulle en su interior. Este marketing lo han entendido y manejado de forma magistral Dalí (que periódicamente montaba un show para que no lo olvidasen), Warhol (que en el fondo se reía y despreciaba todo el montaje y últimamente Damian Hirst, que a día de hoy es el artista plástico más rico del mundo. Por algo será.

Damien Hirst

JOSE PAYA ZAFORTEZA

EL VOLUNTARIADO INGLES PARA EL PATRIMONIO: ALGO A IMITAR

2011-06-17T12:35:00.003+02:00

La catedral de Exeter

El verano pasado, vagabundeé con mi familia durante diez días por el sur y el centro de Inglaterra. Para un “adicto” a las catedrales como yo, conocer de primera mano el gótico inglés y curiosear el mayor número posible de iglesias, era uno de los principales objetivos del viaje. El caso es que logré poner a dura prueba la paciencia y buena voluntad de mi mujer y mis hijos, haciéndoles visitar una ristra interminable de monumentos (Salísbury, Exeter, Lincoln y un montón más que ya ni yo recuerdo).

Durante este pergrinaje, hubo algo que empezó a llamarme poderosamente la atención. Catedral a la que fuéramos, siempre éramos atendidos, guiados y aconsejados por un venerable equipo de dignas damas y caballeros. Bien acreditados, daban la sensación de ser una especie de voluntariado que gratuitamente prestaba tiempo y esfuerzos para lograr que disfrutasemos la arquitectura y demás riquezas que atesoraba “su” catedral, de la que estaban manifiestamente orgullosos.

Voluntaria arreglando un centro de flores

Organizados en equipos, limpiaban del templo, cambiaban flores, eliminaban el polvo de sepulcros y esculturas y bordaban cojines para los fríos bancos de piedra. Igualmente cobraban la entrada, guiaban a los visitantes, atendían la tienda de recuerdos y se ocupaban de cualquier iniciativa que sirviese para recaudar fondos destinados al mantenimiento del templo.

En suma, todo un laborioso ejercito de voluntarios, que por simple amor a su patrimonio, no dudaban en dedicarle un día a la semana, a la quincena o al mes. Su único pago era nuestra admiración e interés.

Interior de la catedral de Exeter

Esto me pareció uno de los principales triunfos del “sistema” inglés. Lograr generar en la gente ese sentimiento de responsabilidad compartida. Todos ellos vivían su patrimonio cultural e histórico como algo propio y se sentían comprometidos personalmente con su conservación, mejora y buen mantenimiento.

No puede menos que venirme a la cabeza lo distintas que son las cosas aquí en España. Salvando los pueblos, donde los asuntos que corresponden a la iglesia parroquial se sienten como algo propio, en las ciudades prima más bien la indiferencia. Todo lo relacionado con un edificio principal como es la Catedral, se percibe como algo lejano, distante, “de lo que se ocupan los curas”. Nadie se siente en absoluto corresponsable por lo que ocurre ahí dentro, salvo para criticar o lamentarse. Raramente se arrima el hombro para un esfuerzo común o se crean iniciativas para favorecer la participación ciudadana en la gestión y mantenimiento de ese patrimonio.

Guías voluntarios de la catedral de Exeter

No se si es que la iglesia anglicana ha logrado tener una mayor cercanía con sus fieles, mientras que la jerarquía católica ha mantenido cierto distanciamiento Los párrocos y obispos ha tratado históricamente el patrimonio como algo exclusivamente suyo, del que no tenían que rendir cuentas a nadie. También entre el mundo de la cultura y la gente joven hay cierto rechazo hacia la Iglesia católica por sus posturas conservadoras que se asocian a un pasado poco grato

Esto, unido a la falta de sentido cívico con que nos distinguimos en España y nuestra incapacidad para aglutinarnos a favor de algo, pone las cosas más difíciles. Sobre todo en una crisis como la actual, en la que nuestro patrimonio tiene problemas para financiar conservación.

Otro venerable y orgulloso guía

Unos y otros estamos acostumbrados a recurrir siempre a la vía de la subvención estatal o autonómica para restaurar o mantener algo, pero no somos capaces de articular mecanismos que puedan de forma gratuita y voluntaria ayudar este mantenimiento.

Lo cierto es que nuestras catedrales nos pertenecen a todos. Se edificaron con el esfuerzo de los ciudadanos y hasta no hace mucho fueron el orgullo y principal edificio de las ciudades. Son de la Iglesia pero también son nuestras

Todos debemos poner de nuestra parte. Hay que lograr que la gente lo viva como algo propio, de cada uno. En España, el voluntariado dedicado al las ONGs funciona muy bien. Este tipo de iniciativa se podría trasladara anivel municipal y a otros ámbitos.

Catedral de Lincoln. Foto tomada por el equipo de fotógrafos voluntarios de la Catedral

Conocer es amar, es despertar inquietudes, sembrar e ir generando una ola que poco a poco lograse invertir la marea de indiferencia que en general sentimos en España ante el arte. Igualmente puede ser un cauce estupendo para aprovechar la energía y las ganas de mucha gente mayor que todavía tiene mucho que aportar y que hacer.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

¿PORQUE NUESTRAS CIUDADES SON FEAS?

2011-06-11T13:14:00.000+02:00

Valencia: Avenida Peris y Valero, el antiguo "semáforo de Europa"

Durante muchos años hemos asumido la fealdad de nuestras ciudades modernas como algo que al parecer era inevitable. La mayoría de los barrios, edificios y ensanches construidos entre los años 50 y 80, estandartes del progreso de entonces, parecen hoy prototipos de la fealdad y la monotonía. De alguna forma, todos aceptábamos que la ciudad era un sitio desagradable, ruidoso e incómodo por su propia naturaleza.

Así como la ciudad que heredamos del S.XIX y primer tercio del S.XX, es en su mayoría un entorno agradable, realizado a escala humana, las ciudades de la segunda mitad del S. XX, dejan mucho que desear. Hoy vemos esfuerzos por deshandar el camino y es posible que con el tiempo estos barrios adquieran una pátina que los haga atractivos e incluso pintorescos, pero costará.

Reflexionando sobre como se llegó hasta aquí, se me ocurren las siguientes causas:

1º.- La presión de la especulación:

Para un promotor, cuantas más viviendas quepan por metro cuadrado de solar, más beneficio. Luego cuantas más alturas pueda hacer, más dinero. En los últimos años, la media de altura en muchas calles, pasa de cinco o siete pisos a nueve, diez o más. Vías cuyo ancho se pensó para edificios de cuatro o cinco alturas, se reconstruyen con nueve o diez. Esto reduce la entrada de luz en las calles y recorta el horizonte de cielo visible desde la acera, aumentando la sensación de ahogo y opresión.

Es la densificación de la edificación, en la que la escala humana de la anterior ciudad se pierde. Esto aumenta aumenta a demás la presión de tráfico y ruido que tienen que soportar estas calles.

Valencia: El llano del Real en los años 60 y hoy,. Ejemplo claro de especulación urbana, aumento brutal de la densidad de construcción, eliminación de edificios de alto valor histórico artístico y supeditación al coche. El Puente del Real en primer término, sufrió un traumático desdoblamiento para poder absorber más tráfico.

Igualmente, cuanto menos suelo tenga que reservar el promotor para usos públicos (jardines, parques, polideportivos, etc..), más viviendas podrá hacer. Así, los nuevos barrios crecieron sin un solo parque o equipamiento, que sirviese de pulmón o desahogo para sus habitantes. Todo el espacio se dedicó a bloques de viviendas y calles para el tráfico.

Valencia , calle Colón a finales del S.XIX y en la actualidad. Se percibe claramente como el triplicar las alturas para el mismo ancho de calle, genera una percepción del espacio completamente diferente.

2º- La falta de conocimiento y valoración el pasado monumental e histórico de las ciudades.

Del conocimiento se genera el aprecio y desde este la valoración de lo antiguo. Durante este periodo, todo lo antiguo se veía como algo viejo, degradado y que no merecía la pena conservar. De aquí se consintió el derribo de edificios y conjuntos monumentales sin que nadie pestañease. Se permitió la edificación de adefesios arquitectónicos junto a monumentos, a los que su vencindad dañó de manera irreparable.

Valencia, palacio de Cervelló. Observese el edificio funcionalista de los años 70, encajado con calzador entre dos inmuebles históricos, afeando notablemente el conjunto.

Se puede achacar esto a una falta de cultura generalizada, tanto de la población que aplaudió el derribo de todo lo antiguo, como de las autoridades que promovieron y se aprovecharon de esta situación. es el mismo fenómeno del desarrollismo, que también machacó nuestras costas. La lista de palacios, iglesias y edificios de interés histórico derribados en pro del supuesto desarrollo, es interminable.

Exaltación de lo grande, moderno y nuevo en la torre Ripalda, construida sobre el derribado Palacio de Ripalda. Portada aparecida en un periódico local de Valencia (Las Provincias)

3º.- La degradación de los barrios históricos, con la huida de sus habitantes tradicionales

Durante casi 40 años, imperó en España una nefasta ley de alquileres, que impedía el aumento de las rentas conforme al IPC y colocaba al inquilino en una situación de privilegio frente al casero. Este llegaba un momento que ante los alquileres ridículos que cobraba, perdía todo el interés en el mantenimiento del inmueble, que se iba deteriorando. Poco a poco, los edificios se fueron degradando y atrayendo a inquilinos cada vez más pobres y marginales.

Esto fomentó la ruina de barrios tradicionales enteros, que entraron en una espiral descendente de abandono. Sus habitantes de toda la vida buscaron instalarse en zonas más modernas y conmemores viviendas. Fueron sustituidos por otra población más lumpen y marginal. Estos barrios se convirtieron al final en en focos de miseria y podredumbre.

Inmueble en el barrio del Carmen (Valencia). Ejemplo de barrio histórico, que fue paulatinamente perdiendo su vida y degradandose los edificios.

Es normal que todo lo moderno, limpio y rutilante se viera como símbolo del progreso, frente a lo “antiguo” que siempre aparecía oscuro, sucio y degradado. Hasta 1979, no empezó en Valencia la rehabilirtación de fachadas y los esfuerzos por dignificar el centro histórico.

4.- La asunción indiscriminada del peor estilo internacional y funcionalista en la arquitectura.

La máxima de eliminación de todo lo suprefluo y ornamental en los edificios, sirvió de excusa para legitimar la falta de imaginación, la monotonía y la omnipresencia de edificios tochos e iguales en todas las ciudades. Unido a que cuanto menos ornamentos hubiese que colocar, más baratos salen los edificios, el tema estaba servido servido para el apogeo de lo vulgar y repetitivo. Cubos y cubos por todas partes...

Valencia, Avenida de Ausias March. Ejemplo de arquitectura funcional monótona y repetitiva

5º- Todo en función del coche.

Durante esta época, se identificaba el atomóvil como símbolo de progreso, status y bienestar. Todo en la ciudad debía estar pensado para facilitar el máximo su uso. Solo ahora se ven la cara negativa: saturación de las calles, contaminación acustica ruidos, polución , atascos, etc..

Valencia, la Plaza del Ayuntamiento a comienzos de los años 60, con la rotonda monumental de Javier Goerlich. Abajo se ve la misma plaza en los años 70. La zona peatonal y monumental, de alto valor artístico, ha desaparecido para dejar paso a una simple explanada de aparcamiento.

He comprobado que cuanto más culto se supone que es un pueblo, menos uso se hace del coche y más de otros medios alternativos. Por el coche se transformaron plazas peatonales en aparcamientos, se talaron jardines para poder aparcar el máximo de vehículos, se estrecharon aceras para aumentar carriles de tráfico, etc...

Igualmente, el automóvil genera congestión, ruidos molestos y sobre todo una nefasta polución para personas y edificios, que acaban adquiriendo una pátina gris. Pasear por la misma calle con o sin tráfico es una experiencia completamente diferente. Cuanto más se pueda avanzar en la peatonalización de los centros y barrios , mejor.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

UNA MINI HISTORIA DEL EROTISMO Y EL DESNUDO EN LA PINTURA (2): LA PINTURA ACADEMICA DEL S. XIX

2011-06-06T22:25:00.001+02:00

Edward Poynter: La Cueva de la Tormenta: Ninfas (1903)

Durante el S. XIX, en la Inglaterra victoriana, como en el resto de Europa, el desnudo y el sexo eran un tema tabú. Esta represión generaba una todavía mayor obsesión, que llevó a desarrollar una hipócrita doble moral, que permitía en privado lo que negaba en público. Los artistas encontraron diversas formas para poder justificar la inclusión del desnudo en sus obras, ya que no se aceptaba su representación del un ambiente contemporáneo.

La primera fue el recurso a un mundo fantastico, onírico y de leyenda, frecuentemente relacionado con criaturas marinas, sirenas, etc. Esto cobró mucho fuerza en Gran Bretaña, la mayor potencia marítima del mundo, nación insular en el que el mar nunca está muy lejos. En esta obra de Lord Leighton, "La sirena y el pescador" se roza el limite de lo escandaloso para esta sociedad bien pensante. En una época cuya vestimenta femenina tendía a ocultar y disimular las formas del cuerpo, la abierta carnalidad y el contacto físico de los protagonistas roza el límite de lo pornográfico.

Lord Leighton: "La sirena y el pescador" (1858)

En esta época las largas cabelleras se consideraban algo muy erótico, por lo que era muy fecuente su repreentación en estas obras. Este bellísimo cuadro de William Waterhouse ofrece todo lo que podía encandilar a la imaginaciónde los rígidos y encorsetados victorianos: belleza fascinante, libertad semi salvaje, la desnudez, y todo enmarcado en un paisaje preñado de misterio.

William Waterhouse: La sirena (1902)

El siguiente pretexto al que se podía recurrir era la Antiguedad Clásica. Este era un terreno abonado para representaciones de esclavas, baños, termas y multitud de escenas que se prestaban admirablemente para mostrar cuerpos desnudos. Lawrence Alma-Tadema, fue un extraordinario pintor, muy dotado para la representación de interiores, figuras marmoles, flores

En esta sobras se unía el interés artístico con el arqueológico, ya que la reconstrucciones fidelignas que realizaban los pintores eran de gran interés para el público. Se trataba de reconstruir y revivir una idealizada antigüedad griega y romana, poblada exclusivamente con personajes nobles, hermosos y físicamente bellos.

Una variante interesante de las representaciones de la antigüedad fue el mundo babilónico. Mezcla de refinamiento y crueldad, el final cataclísmico y sangriento que se le atribuía, lo hacía muy apto para turbadoras y agitadas pinturas en las que un gran número de seres se arremolinaban tratando de evitar su trágico final.

Delacroix: "La muerte de Sardanápalo"

Otro campo que fascinó a los europeos fue Oriente. Una seductora combinación de refinamiento, sensualidad y barbarismo, emanaba de aquellas lejanas tierras, atrayendo a los artistas y público como moscas a la miel. Esta moda fue iniciada por Delacroix, con su viaje al norte de Africa en 1832. Las pinturas ambientadas en Argelia causaron honda sensación en Francia, abriendo los ojos a los europeos a un mundo nuevo que sin embargo tenían relativamente próximo.

Mariano Fortuny: Odalisca

Para los reprimidos occidentales, sobre todo el harén representaba lo prohibido, lo negado y lo deseado. Constituía la puerta abierta a las fantasías mas íntimas, la incursión en el mundo secreto de la privacidad femenina, poblada de juegos ingenuos y a la vez eróticos. No es de extrañar que proliferasen visiones de carnales odaliscas, interiores de harenes y baños turcos.

León Gerome: El baño turco

Gerome: Interior del harén

Masriera: Una belleza del harén

Por último, siempre estaban triunfantes y disponibles los mitos griegos y romanos de la Antigüedad. Las andanzas de Júpiter, el nacimiento de Venus y todas las combinaciones que se quisieran de faunos, dioses, ninfas y héroes, aportaban todo el material que se desease para cuadros

UNA MINI HISTORIA DEL DESNUDO Y EL EROTISMO EN LA PINTURA (1): DEL MEDIEVO AL S. XIX

2011-05-28T12:21:00.011+02:00

Rubens: Leda y el cisne

El desnudo ha sido siempre una de los temas más atractivos y controvertidos para los artistas y el público. Seguir su evolución en la historia del arte es contemplar la progresión de los tabues y convenciones sobre el cuerpo, la moral y el pudor a lo largo de las épocas.

Al contrario que otras religiones, que integraron con naturalidad la dimensión sexual del hombre como un elemento más de su globalidad, el Cristianismo tendió a negarla y reprimirla. Los responsables fueron la marcada antipatía de San Pablo hacia la unión sexual, y los tabúes sobre el sexo que la herencia judía del Cristianismo arrastraba. Esto generó una idea condenatoria del sexo y lo placentero, que en Occidente ha perdurado casi hasta hoy.

Las consecuencias en la historia del arte occidental son fundamentales, ya que la representación directa de lo sexual pasó a estar prohibida. Durante siglos los artistas se acostumbrarán a manejar siempre un repertorio de símbolos, mitos y alegorías para plasmar de manera sublimizada y codificada todo lo relacionado con el cuerpo, la desnudez y el sexo. Buena parte del arte occidental es el resultado de este conjunto de ideas, creencias y frecuentes represiones.

Abadesa Herrad von Landsberg: "El infierno" (1176)

Para la mentalidad del hombre medieval, el cuerpo es un contenedor doliente, receptáculo de enfermedades y sentina de vicios. La carne es algo débil, temporal y perecedero. Como la muerte está a la vuelta de cada esquina, parece de necios el recrearse o darle importancia a lo físico. Los desnudos que se representan, son pues desgarbados, de líneas agudas y bastante alejados de cualquier intención sensual.

El Juicio Final. Sant Angelo. Fromis. (Italia)

La pintura es una arte al servicio de la Iglesia y en temas como la "Expulsión del Paraiso" y el "Juicio Final", aparecen las almas desnudas abrasándose en las llamas del infierno, ante las miradas complacientes y satisfechas de los demonios. Las representaciones sexuales se "cuelan" por capiteles y esquinas, asociadas muchas veces con lo grotesco y satírico, así como con la fecundidad. Esta era muy importante en una sociedad necesitada de repoblar amplios territorios y en la que hacia falta abundante mano de obras para las tareas agrícolas.

Boticelli: el nacimiento de Venus

Esta situación cambia con la llegada del Renacimiento. La vuelta a los ideales de belleza de la antigüedad clásica, un nuevo optimismo ante la vida y la convicción que el ser humano está hecho por Dios a su imagen y semejanza, legitiman una visión nueva del cuerpo desnudo. Este se idealiza y embellece, se convierte en algo noble y magnífico. La carne ya no es algo doliente, sangrante y amortajado, sino material glorioso y nacarado en el cuerpo de Venus. Se copian e interpretan las estatuas griegas y romanas, se desarrollan cánones de belleza masculina y femenina y para pasmo de los fieles, las iglesias se llenan de desnudos.

Miguel Angel: Adán

Pero la pintura ya no es un arte exclusivamente religioso. Junto con la visión del cuerpo como la más noble encarnación de valores humanos trascendentes, el erotismo y la sensualidad más refinada van a entrar también en las mansiones de los poderosos. Eso sí, siempre envueltos en elaborados ropajes mitológicos, que sirven como pretexto perfecto para presentar las más exquisitas fantasías. Las clases privilegiadas siempre mantendrán una doble moral, reservándose para su disfrute privado lo que públicamente condenaban.

Bronzino: Venus y el Tiempo

El erotismo también está presente en numerosas representaciones de desnudos masculinos, que sirven como vía de escape a una homosexualidad severamente reprimida (Miguel Angel vivió atormentado por ella toda su vida). De unas representaciones idealizadas y etéreas del cuerpo, se va pasando a otras de una carnalidad bastante palpable.

Caravaggio: Amor

Los pintores del barroco oscilarán entre los que gustan de representar en sus obras amables y coloristas desnudos, cuajados de abundancias florales, alegorías mitológicas y carnes opulentas (Rubens, Tiepolo, Luca Giordano).

Añadir leyenda

Y en el lado opuesto se situarán los que buscan un realismo extremo, empleando magistralmente el claroscuro y la austeridad cromática (Caravaggio y Rembrandt) Este último es capaz de investigar lo humano de una manera desafectada, conmovida y sincera, logrando representar el cuerpo de una manera a la vez hermosa y doliente.

Rembrandt; Betsabé

Se va generalizar durante este periodo la realización de obras sagradas impregnadas de la misma sensualidad que las profanas. San Sabastián se convierte en el auténtico icono gay de la época. Sus representaciones contienen una fuerte carga erótica, pese a ir destinadas a las iglesias.

Guido Reni: San Sebastián

Durante el Rococó, el refinamiento, la sensualidad y la picardía van a estar a flor de piel. Pintores como Boucher se van a especializar en la representación de las sucesivas favoritas reales. Retratadas en poses de lo más sugerentes, su visión debía de colmar de satisfacción y solaz al afortunado monarca.

Boucher: Odalisca morena

El desnudo femenino es un tema que apenas es tocado por los pintores de la católica e inqusitorial España. Solo rompen esta norma la "Venus del espejo" de Velázquez y la "La maja desnuda" de Goya. Este es uno de los cuadros que más tinta han hecho correr a lo largo de la historia. Sabemos que era propiedad de Godoy, que había instalado un ingenioso sistema por el que aparecía detrás de la otra maja, que se elevaba. Siempre se sospechó que la retratada era la duquesa de Alba, aunque no hay pruebas concluyentes. A las magnificas cualidades pictóricas del cuadro hay que señalar que Goya pinta el desnudo realista de una mujer contemporánea, con absoluta ausencia de excusas mitológicas. El erotismo de la obra se ve acentuado por la representación del vello púbico, algo tabú hasta entonces.

Goya: La maja desnuda (1799)

"La fuente" de Ingres, es la imagen de la sexualidad contenida y sublimada, representada por sutiles metáforas, que predominó durante el Clasicismo. Se representa un cuerpo a la vez carnal e idealizado, de formas suaves y redondeadas, que generará toda una escuela. Es de destacar la ausencia de vello de cualquier tipo así como cualquier insinuación de los genitales..

Ingres: La fuente (1852)

Frente a la represión y corrección académica, entra en acción un artista como Courbet, decidido a transgredir los límites de lo moralmente aceptado. Pinta este provocador cuadro, al que llama sin empacho "El origen del mundo". Presenta el cuerpo femenino con un grado de verismo inaudito hasta entonces, lo que genera un notorio escándalo.

Courbet: el origen del mundo (1866)

¿Que era lo que el público esperaba y aceptaba? Pues elaboradas composiciones académicas, donde en ningún momento se ofendía el "buen gusto". Estos cuadros podían ser contemplados tanto por caballeros como por respetables damas, sin que en ningún momento peligrase el pudor y la decencia. La excusa mitológica siempre era la coartada perfecta para poder contemplar un esplendido desnudo.

Excelente ejemplo de desnudo de "buen gusto". Bouguereau: "El nacimiento de Venus" (1879)

Avanzado el S. XIX, aparece otro provocador, Manet. Realiza este retrato de una prostituta, recibiendo el regalo de un cliente. No hay ningún tipo de pretexto alegórico que desvíe la atención de la crudeza del tema. Cierta vulgaridad y sordidez impregnan el cuadro y el cuerpo de la muchacha no recibe ningún tratamiento dulcificador, que evite al público contemplar aquello que prefiere no asumir. Irónicamente Manet titula el cuadro "Olympia" , el nombre de una diosa.

Manet: Olympia (1863)

JOSE PAYA ZAFORTEZA

TESTIGOS INSÓLITOS: LA GRÚA DE LA CATEDRAL DE COLONIA

2011-05-22T23:50:00.002+02:00

la catedral de Colonia vista desde el Rin

Siempre me ha fascinado la historia de la catedral de Colonia. Es la iglesia cuya construcción más se ha demorado en el tiempo, con un lapso de seis siglos entre su inicio y su conclusión. También es casi milagrosa su supervivencia a los bombardeos aliados que arrasaron toda la ciudad durante la II Guerra Mundial. Como templo más emblemático de Alemania, simboliza a la perfección el resurgimiento y la unión de lo mejor de un país a través de todos los desastres de su historia.

Iniciada en 1248, la construcción de la iglesia más ambiciosa de su tiempo, avanzó al principio con rapidez. Una vez concluido el ábside, se empezaron los brazos del crucero. Sin embargo, durante el S. XIV los trabajos se fueron poco a poco ralentizando, hasta quedar completamente detenidos por falta de financiación.

Es de suponer que los constructores esperaban una rápida renaudación de la obra, puesto que dejaron en lo alto de la torre sur, una gran grúa destinada a elevar cargas pesadas. Sin embargo, el tiempo pasó y la grúa se quedo allí arriba, mudo testigo frente al Rin del desarrollo de la ciudad.

Vista de colonia en 1531. Grabado en madera de Anton Worms. A la derecha se puede ver la catedral inacabada con la grúa

La obra estuvo parada cuatrocientos años. Sorprendentemente, durante todo ese tiempo nadie pensó en desmontar un apéndice tan poco estético. Permaneció dominando el perfil de la ciudad. Como tal quedó reflejado en todas las pinturas y vistas de la ciudad de Colonia que se realizaron durante ese tiempo. Por último, acabó convertida en uno de las señas de identidad de la ciudad.

Dibujo del S. XVII, mostrando la ya famosa grúa sobre la torre inconclusa de la Catedral

Vista de la catedral de Colonia en un grabado de 1820

La historia de la catedral podía haber terminado aquí y haber pasado a la historia como otro gran monumento inacabado, tal como le pasó a la grandiosa catedral de Beauvais. Pero en 1814 se encontraron los planos originales del S. XIV y una ola de creciente interés y luego franco entusiasmo se desarrolló en Alemania. La empresa de la conclusión del templo simbolizó para muchos alemanes el resurgimiento de su nación. Tal fue el grado de entusiasmo, que durante un tiempo se llegó a pensar erróneamente que el gótico era un estilo de origen alemán. Los trabajos, que se habían retomado en 1840, finalizaron en 1880. La catedral se consagró con la presencia del Kaiser de la nueva gran potencia.

Uno de los siete planos de la Catedral . Mide 4,05 m de longitud y se encontró en el altillo de una posada de Darmsdat en 1814. Otros se encontraron en un anticuario de París

La grúa, que por supuesto, continuaba en su sitio, fue reparada y rápidamente puesta en marcha otra vez. Después de cuatro siglos, cumplió su servicio a la perfección. Desconocemos que fue luego de ella. Presumiblemente se desmontó y desguazó una vez cumplido su servicio.

Vista de la catedral en proceso de conclusión. La gran grúa medieval todavía se mantiene sobre la torre sur.

Detalle de una foto de época mostrando la vieja grúa, que logró sobrevivir cuatro siglos sin problemas.

Las torres de la Catedral, a punto de ser terminadas

Ahora que se habla y polemiza sobre conveniencia o no de terminar la Sagrada Familia de Gaudí, es interesante tener en cuenta un precedente tan notorio como la catedral de Colonia. Máxime teniendo en cuenta que la construcción del templo barcelonés no se ha llegado a detener nunca.

Impresionante vista de uno de los pináculos de las torres, recién terminado

La historia de la Catedral continúa durante la II Guerra Mundial. Pese a que todo a su alrededor fue arrasado, la Catedral casi logró salir indemne del conflicto. Solo cayó una bomba en una torre, que sufrió severos a daños, pero no se derrumbó. Lo que si causaron las ondas expansivas de las explosiones fue la pérdida de numeroso vitrales que saltaron en pedazos durante aquellas noches terribles.

La Catedral, rodeada de la devastación, después de la guerra

Hoy, la catedral se considera el templo más sobresaliente de Alemania. Su entorno ha sido reconstruido y es el emblema de la ciudad de Colonia. Los problemas a los que se enfrenta hoy son la contaminación así como el ennegrecimiento que sufre uno de los tres tipos de piedra con la que está construida.

Los que amamos la catedrales, tendemos a pensar en ellas como si fueran personas. Sufrimos con sus males y nos enorgullecemos de sus logros. Son una mezcla perfecta de belleza, fragilidad y fortaleza. Nos muestran lo máximo que el entendimiento humano ha sido capaz de hacer con el arte de la piedra. Son edificios que en su momento recogieron los sueños y las aspiraciones de comunidades enteras.

La Catedral, con su entorno reconstruido, hoy

ENLACES DE INTERES:

Web de la Catedral de Colonia: http://www.koelner-dom.de/

JOSE PAYA ZAFORTEZA

GRAFITTIS Y CREATIVIDAD EN EL BARRIO DEL CARMEN DE VALENCIA

2011-05-16T22:27:00.003+02:00

combinación de hiperrealismo y grafismos y colore splanos

Cada vez quedan menos solares y tapias libres en el Barrio del Carmen. Mientras que la regeneración del mismo avanza y lo convierte en una zona cada vez más "normal", la vida canalla que durante tanto tiempo habitó en él, va desapareciendo.Es un proceso inevitable y seguramente beneficioso para todos. Llegará un día en que aquel animado barrio poblado de okupas, punkis, alternativos y bohemios, será un lejano recuerdo solo presente en los nombres de los reciclados locales nocturnos. Hasta entonces, aquí quedan estas imágenes de lo más granado en pinturas y grafittis que todavía lo pueblan.

¡Una vaca estupenda!

Mural de gran pictoricidad y ritmos muy marcados

Un James Ensor o un una máscara de Munch

La pérdida de varias zonas, crea un efecto de contraste y textura nuevo e interesante

Cere con su sarcasmo habitual

Otro mural de Cere

La mezcla de diversas pinturas ha creado una movida y surrealista composición que recuerda a las de Chagall

Cada vez hay más grafittis usando la técnica del collage

Un soldado del amor

Simpático recordatorio a Teddy Bautista, el nuevo gran hermano

Futurista e impactante visión realizada mediante collage

Indescriptible...

Collages

Yo no me iría de campamento con este equipo

Otro collage

La+ reina del solar

Julietta y Cyri

Siempre queda hueco para el grafitti borde de siempre

TODO UN PALACIO NAZARI EN LA CANAL DE NAVARRES

2011-05-10T19:18:00.005+02:00

Salón principal del Palacio de Cervelló, Anna.

Anna es un apacible pueblo del interior valenciano, un poco apartado de todo y de todos. El bello cañón del río Sellent, sus fuentes y la famosa laguna de Anna, hacen de él un lugar agradable para una excursión dominguera que se quiera rematar luego con una buena paella.

El pueblo en sí es grato de pasear, sin buscarle mayores pretensiones. Cruzado por varios canalillos de agua y fuentes, no cuenta casi con ningún hito arquitectónico especial, más allá de la tradicional iglesia. De su pasado, solamente queda el viejo y hasta hace poco semi ruinoso Palacio de los Condes de Cervelló, que languidecía asomado al cañón del río.

Vista exterior del Palacio reconstruido

El palacio es un gran caserón vestigio del pasado de Anna, que fue capital del condado. Tras pasar por diversas manos y vicisitudes, había caído en el abandono, amenazando desmoronarse. De hecho, varios vecinos pensaron que ya puestos, lo mejor sería derribarlo y hacer en el solar una plaza pública para las verbenas y fiestas.

Lo que no contaban es que Fernando, el alcalde, tenía planes muy distintos. Con una energía y un dinamismo poco común, ideó un programa de actuaciones en el palacio que inmediatamente puso al pueblo en ebullición. Pronto hubo admiradores declarados del proyecto, así como acérrimos enemigos, cosa por otro lado habitual en todo pueblo que se precie.

Partiendo del edificio original, el alcalde ideó restaurar el palacio recreando los ambientes representativos de las tres épocas históricas más importantes de Anna: musulmana, renacentista y barroca. Así, los visitantes de la laguna y los parajes de alrededor, entrarían también en el pueblo, visitarían el palacio y de paso se dejarían también algunos dineros en los comercios y bares locales.

Sala gótica, con el retablo renacentista.

Como empresa de restauración y creación, tuvimos la suerte de ser contratados para realizar la reconstrucción de las sala gótica (donde realizamos un retablo al estilo de Juan de Juanes) y la barroca (aquí creamos toda una nueva decoración y un mural). Y pudimos contemplar en directo el surgimiento de una de las recreaciones arquitectónicas más singulares que hemos visto: el pabellón musulmán.

Palacio Cervelló de Anna: el patio

La recreación del ambiente fue el fruto de las visitas a Marruecos del impetuoso e imaginativo alcalde y su contrapeso, el inefable y pausado Vicente, técnico municipal de urbanismo. Así, poco a poco surgió un auténtico palacio de las mil y una noches, repleto de artesonados, tracerías y policromías, que dejó empequeñecido a todo lo demás. Con un patio al estilo de la Alhambra, adornado con una fina galería de columnas de mármol, lacerías y vidriados. Estanques, surtidores y una cuidada vegetación completan un efecto bastante sorprendente para el que entra.

Vista del patio desde la entrada principal

La pieza más llamativa es el exquisito salón principal, donde uno se puede imaginar contemplar la Alhambra o el Alcazar de Sevilla en todo su esplendor. Desviar la mirada al techo es marearse y dejarse arrastrar por un vértigo de formas y colores, donde no hay apenas un espacio sin decorar.

El salón principal

Todo el artesonado fue pintado a mano por artesanos marroquíes, que lo realizaron en su tierra y posteriormente se desplazaron ex profeso a Anna para montarlo "in situ", lo mismo que los zócalos de azulejería y las tracerías de los muros.Un gran ventanal se asoma al cañón del río Sellent, completando un efecto que pese a la exuberante decoración, es elegante y grato.

Detalle de los acabados de la sala musulmana. Todo fue pintado a mano en Marruecos y montado pieza a pieza en Anna

Otra vista de la sala

Podrá estarse de acuerdo o no con la recreación realizada, encontrar justificable o no el gasto, pero desde luego no cabe duda que el resultado es algo único. Quizás ese dinero podrías haberse empleado en otros fines más sociales o necesarios. No cabe duda. Pero el hecho es que el palacio está aquí y es una singular aportación al patrimonio de Anna.

Detalle del espectacular artesonado pintado a mano

Es posible que haya en el conjunto algunas estridencias. Se puede opinar que el pabellón árabe es una extravagancia cuya armonización con el resto del edificio, de origen medieval, es discutible. Yo creo que lo que se debe hacer es dejar que el tiempo haga su obra. Permitir que todo lo nuevo vaya adquiriendo la pátina que dan los años. Por si solas, se irán suavizando algunas discordancias y se producirá la integración de todo el conjunto. En el paso de una o dos generaciones, el palacio será un "capricho" arquitectónico y decorativo, que suscitará admiración e interés, al igual que hoy en día nos la producen las recreaciones neogóticas de nuestros abuelos.

Techo de la entrada de acceso

Hoy otros tiempos han llegado. Cambió el equipo municipal y tras una larga lucha el cáncer se llevó a Fernando, el alcalde. Mientras tanto, el fascinante palacio nazarí, aunque ya concluido en su totalidad, vive un estado semi aletargado. Su mantenimiento ha resultado ser más costoso de lo esperado, hay humedades en el patio y la crisis, como a todos, pasa factura en el pueblo. El gran pabellón sirve hoy como escenario de las bodas civiles, mientras que la colección etnográfica dormita en los sótanos esperando fondos para su restauración.

Por eso os digo: ir a Anna. Pasad por el ayuntamiento y preguntar por Pepita. Ella os enseñará el Palacio. Hacerle preguntas, pasearlo y manifestar vuestra sorpresa y admiración. Lograréis que el brillo asome a sus ojos. Luego tomar un aperitivo en alguno de los bares del pueblo, callejear y dejaros embargar por esa sensación de silencio y tiempo detenido que emanan los buenos pueblos. En algún sitio, Fernando sonreirá satisfecho.

Vista del patio con el pabellón árabe

JOSE PAYA ZAFORTEZA

DAFEN, EL PARAISO DE LAS COPIAS DE ARTE Y LA PESADILLA DE UN ARTISTA

2011-05-07T08:22:00.000+02:00

Una singular escultura señala la entrada a Dafen, paraíso de los copistas y pesadilla de los artistas

Dafen es un pequeño suburbio de la ciudad china de Schenzen, cerca de Hong Kong. Esta localidad se ha especializado en una industria singular: la copia intensiva de obras de arte. Aquí trabajan más de 10.000 pintores, que se dedican a hacer copias para todo el mundo. Aquí se "producen" casi 5 millones de cuadros al año. Casi el 70 % de los que se venden en todo el planeta.

Copias de David, Canaletto, Corot, Van Gogh, etc. Todos los maestros de la pintura occidental son copiados de forma metódica y sistemática por los pintores de Dafen.

Los artesanos que realizan esta tarea son estudiantes de Bellas Artes, seleccionados por toda China. Las condiciones serían extenuantes para cualquier occidental: hay que pintar 10 cuadros diarios como mínimo. Por supuesto, no hay el menor hueco para la creatividad. La energía se centra en "fabricar" copias al ritmo más rápido posible.

Copias de Van Gogh, a la espera de comprador

Todo un conglomerado de talleres y "galerías" se concentra en un recinto de 5 kilómetros cuadrados. Por unos 35 dólares, se puede encargar la copia de un Picasso, un Dali o un Van Gogh. Toda esta producción va destinada principalmente a la exportación. Grandes cadenas de distribución, como la americana Wal Mart, pueden así ofrecer "arte" por módicos precios sus clientes.

Otra selección de copias

El creador de esta industria fue Huang Jiang, un avispado empresario que llegó a Dafen en 1989. Jiang buscaba un lugar tranquilo donde establecerse para poder atender los grandes pedidos de cuadros que le demandaban las grandes superficies comerciales occidentales. Hijo de una profesora de arte, empezó vendiendo cuadros por 2 euros. Al principio tardaba dos días en pintar cada cuadro. Tras mejorar su técnica, los terminaba en una hora. Jiang ha realizado unos 12 cuadros diarios durante más de 20 años. Eso hace casi 100.000 cuadros, lo que le convierte en el pintor más prolífico de la historia.

Una tienda de Dafen

Esta actividad ha causado la alarma entre el mundo del arte occidental. Para cuidar las apariencias, el gobierno chino ha prohibido las copias de la obra de artistas vivos y de los que hayan fallecido hace menos de 70 años. Por una pequeña cantidad extra, este "inconveniente" puede ser olvidado en Dafen.

Un callejón de Dafen

Hoy en día, gracias a un elaborado sistema de producción en cadena, en la que cada pintor hace solamente una parte del cuadro, se pueden llegar a fabricar hasta 30 cuadros por pintor y día. Una auténtica pesadilla para cualquier creador occidental.

Producción "en cadena" de copias de pinturas

Los copistas chinos demuestran una habilidad prodigiosa para reproducir todo tipo de pinturas

Un magnífico Canaletto, destinado a alguna casa occidental

En ocasiones sorprende la reproducción de tanta belleza en un entorno tan prosaico

Copistas entregados a su trabajo

Una copista de Van Gogh

Reproducción en serie del mismo cuadro

Un copista entregado a su tarea

Las condiciones de trabajo son agotadoras

ENLACES DE INTERES:

Varias galerías de arte y talleres de Dafen:

http://www.dafenoilpaintings.com/

http://www.dafenart.com/

http://www.dafenartonline.com

JOSE PAYA ZAFORTEZA

ARTE SOBRE HUEVOS: ¿ARTE, ARTESANÍA O SIMPLEMENTE BIBELOTS?

2011-05-04T16:01:00.004+02:00

Franc Grom realizando uno de sus huevos

Franc Grom es un jubilado esloveno que ha desarrollado una peculiar habilidad: mediante un microtaladro y con infinita paciencia va perforando poco a poco la cáscara de los huevos y crea en ellos intrincadas composiciones y dibujos, inspirados en el arte popular esloveno.Cada obra le cuesta entre 2.500 y 3.000 perforaciones. Su idea es que estas peculiares obras sean reconocidas como obras de arte y por supuesto, valoradas como tales. A mí, ante este tipo de creaciones, siempre me cuesta adivinar si estamos hablando hablando de arte, artesanía o simplemente bibelots.

Según el diccionario, un bibelot es "cualquier figurilla, menudencia u objeto decorativo, destinado a decorar una estantería o vitrina". Artesanía sería "toda técnica manual y creativa, para producir individualmente bienes" y arte, "cualquier actividad o producto realizado por el ser humano, con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o una visión del mundo mediante diversos recursos , como pueden ser los plásticos, musicales o lingüísticos".

Huevo Faberge del Pamiat Azova

Los bibelots más caros jamás realizados seguramente serían los Huevos Faberge, hechos para la familia imperial rusa. Lo costoso e ingenioso de su creación así como los valiosísimos materiales empleados en su elaboración unido a su trágica historia, los ha convertido en objeto de deseo de los coleccionistas de arte. Hasta 18 millones de dólares se han llegado a pagar por uno de ellos.

No creo que los huevos de nuestro amigo Grom lleguen a alcanzar tal nivel de notoriedad, pero lo cierto es que ya están ocupando un buen número de paginas web y por ahí se empieza. En cualquier caso, aquí tenéis una selección de sus trabajos, algunos de gran belleza y delicadeza y otros con cierto sabor kistch. Que los disfrutéis.

JOSE PAYA ZAFORTEZA

AVERÍGUALO TODO SOBRE LA FIRMA DE LOS GRANDES ARTISTAS Y DE PASO, SOBRE LA TUYA PROPIA

2011-05-02T22:56:00.003+02:00

Las firma del artista es uno de los elementos más emblemáticos en en un cuadro y lo primero que muchas veces busca el público. Deseamos verificar la autoría de la obra y tratar de averiguar "algo mas" sobre la personalidad, estado de ánimo y circunstancias en las que se encontraba el artista. La firma es el "sello" final del pintor, que habitualmente suele poner bastante cuidado en escoger el tipo de rubrica con la que va a cerrar su obra.

Algo que para nosotros es tan tan importante, tiene una historia relativamente reciente. No fue hasta el S. XV cuando los artistas empezaron a firmar sus obras. Anteriormente, su estima y condición social era similar a la de cualquier otro artesano especializado y no se esperaba que un carpintero o un tejedor, por muy excelente que fuese, firmase su obra. Es con la figura de Giotto y sobre todo con los grandes nombres del Renacimiento (Rafael, Miguel Angel, Leonardo) cuando el artista empieza a adquirir el reconocimiento como "genio artístico". Se le considera una persona capaz de realizaciones artísticas que superan la normalidad. Todo lo que concierne a su personalidad cobra un interés especial para el público, que desea ver refrendada en esa firma magistral los rasgos de la genialidad del artista.

Hoy proponemos un pequeño juego. Primero descubrir los rasgos de vuestra personalidad a través del autoanálisis de vuestra firma con este sencillo test del Portal de la Grafología. Es muy fácil de realizar y los resultados os van a sorprender. Os aconsejo practicarlo con conocidos. Seguid los pasos que se van detallando en este enlace:

http://www.grafologico.com/firma/

Cuando lo hayas realizado, podéis empezar a practicar con las firmas de diversos artistas

Picasso era capaz de pagar banquete simplemente estampando su firma en el mantel. Dalí es tristemente famoso por haber firmado lienzos en blanco que posteriormente eran completados por otros pintores. Hoy en día, en el mercado del arte contemporáneo lo que se paga es ante todo una firma, que estampada sobre casi cualquier cosa, le confiere automáticamente a un objeto ínfimo la intencionalidad y el valor de obra de arte.

Podemos ver las firmas de varios maestros del impresionismo

Cuando comencé mi irregular experiencia en el mundo de las galerías, un marchante me comentó que le gustaban mis cuadros, pero que mi firma era espantosa (hecha con mayúsculas mal trazadas). Rápidamente cambié mi firma por otra mucho mas curvilinea, que con diversas modificaciones, es la que mantengo hoy.

En la obra de Margritte llama la atención la inusual colocación de la firma cerca de la esquina superior derecha, así como su `pequeño tamaño y aspecto tímido, reconcentrado e infantil.

EL PALACIO REAL DE VALENCIA , ¿RESUCITA?

2011-04-28T07:19:00.007+02:00

El Palacio Real de Valencia, desde el Puente del Real (figuración virtual)

Hace tiempo que un grupo de investigadores de la UPV realizaron una recreación visual de como sería el antiguo Palacio Real de Valencia, encajándolo en la trama urbana de hoy. Este es el resultado: una interesante visión realista del edificio visto desde el puente ensanchado en los años 70 y con el moderno edificio de la Pagoda asomando al fondo.

Ubicación del Palacio Real de Valencia en la vista de la ciudad de Anton Van Wynngarde (S.XVI)

El Palacio surgió en el S. XI como quinta de recreo y descanso para los reyes árabes de la Taifa de Valencia. Los monarcas cristianos que les sucedieron, lo fueron ampliando y mejorando, siendo el resultado una construcción de formas un poco heterogéneas, por el añadido de diversos cuerpos. El Palacio sirvió como residencia de los virreyes de Valencia y Capitanía General. En 1810, ante el avance de las tropas napoleónicas, temiendo que se usase el Palacio como bastión contra la ciudad, los mismos valencianos decidieron derribarlo, lo que no sirvió absolutamente para nada.

Una atractiva aguatinta del S. XVII, que muestra el conjunto del Palacio, el puente y el convento de San Carlos, actual museo de Bellas Artes

Tras el derribo, los cascotes se apilaron formando la conocida "Montanyeta d'Elio", en los jardines de Viveros. El Palacio dió nombre a toda la zona (el Llano del Real) y al puente (Puente del Real). En 1987, durante la realización de las obras de un colector en la muy transitada calle General Elio, aparecieron los restos del palacio. Tras su estudio y en medio de una agria polémica, se decidió cubrirlos con arena y volver a enterrarlos.

Vista de la fachada del Palacio Real.

Hoy conocemos con exactitud como era el palacio, gracias al reciente descubrimiento (2007) en París de unos planos del mismo, realizados en 1802. Estos planos fueron parte del botín saqueado por las tropas napoleónica. Fueron llevados a Francia, donde permanecieron ignorados hasta hoy.

Maqueta del Palacio Real

En esta maqueta podemos observar los dos cuerpos principales del Palacio. A la izquierda el Palacio Viejo, correspondiente a la ampliación que los reyes de Aragón y Valencia hicieron de la antigua almunia musulmana. Conserva un claro aspecto de fortificación medieval. El Palacio Nuevo, correspondiente al conjunto de la derecha, que se articula entorno a dos patios y corresponde a las ampliaciones realizadas posteriormente . En el S.XVII se realizó una gran transformación interior y exterior, para eliminar el caracter excesivamente gótico.

El Palacio siempre conservó su aspecto de fortaleza, ya que al estar fuera del recinto amurallado de la ciudad, era vulnerable a los ataques, como lo prueba el que en 1363 fuera incendiado por las tropas castellanas, durante la Guerra de los dos Pedros. Popularmente se le conocía como el Palacio de las 300 llaves en alusión al supuesto numero de habitaciones con el que contaba.

Infografía del Palacio Real de Valencia

JOSE PAYA ZAFORTEZA

¿POR QUÉ SE ESTROPEAN LOS CUADROS ANTIGUOS?

2011-04-24T09:28:00.007+02:00

Tiziano: Sísifo

Ante un cuadro de Tiziano o Velázquez, nos gustaría pensar que la superficie que vemos es exactamente igual a la que vio el artista cuando le dio su última pincelada. Lamentablemente, aun en el mejor de los casos, es imposible que un cuadro se mantenga sin alteraciones durante trescientos años. Por muy bien se haya conservado, hay toda una serie de cambios físicos y químicos que causan el envejecimiento y la degradación de los cuadros. ¿Qué los provoca? ¿Por qué se estropean los cuadros antiguos?

Pues hay multitud de causas, pero descartando las mas accidentales como el fuego, la lluvia, golpes, etc, una pintura antigua inevitablemente se acaba degradando por:

El oxígeno de la atmosfera: Todo lo que hay sobre nuestro planeta, en contacto con la atmósfera, sufre una reacción química, llamada oxidación. Nosotros nos oxidamos, los metales se oxidan y los componentes de las pinturas,por supuesto que se oxidan. A esto lo llamamos envejecimiento. En los cuadros, esta oxidación produce el amarilleamiento y oscurecimiento de los barnices de protección y del aceite que aglutina la pintura al óleo. También ocasiona la pérdida de la consistencia y elasticidad original del tejido del lienzo, que se vuelve frágil y quebradizo.

Afortunadamente, retirar una capa de barniz oxidado y sustituirla por otro nuevo es una operación relativamente sencilla para un restaurador. Aquí vemos diversos ejemplos de oxidación y amarilleamiento de barnices, evidenciada por la limpieza posterior

El oxígeno también causa la corrosión de los clavos de hierro que unen el lienzo con el bastidor de madera. Esta se trasmite a la tela alrededor de las cabezas de los clavos, deshaciéndola.

Aspecto que presenta el reverso de una pintura al óleo del S. XVIII. Se puede ver su aspecto envejecido y quebradizo, la acumulación inevitable de polvo y restos de hongos en la parte superior. También los bordes aparecen dentados por los orificios causados por las oxidaciones de los clavos de unión al bastidor.

La radiación ultravioleta presente en la luz también acelera los procesos de oxidación y amarilleamiento de los barnices. La luz además, decolora los pigmentos y veladuras, haciéndoles cambiar de color, que a veces llega desaparecer del todo. Técnicas como la acuarela y el pastel son muy sensibles a la decoloración, estando siempre en los museos en con una iluminación muy atenuada.

Ejemplo clásico de decoloración de las pinturas, que hacen aparecer un arrepentimiento de Velázquez: Inicialmente la pata del caballo estaba colocada en otra posición

También afectan mucho los cambios y excesos de temperatura y humedad: mucha humedad ambiental provoca una dilatación de los lienzos y favorece la aparición de hongos. La sequedad y el calor, por el contrario, causan la contracción del lienzo y si llegan a ser excesivos, lo vuelven quebradizo. Durante siglos todos los cuadros han sufrido este “estiramiento” y contracción constante de la tela por el simple paso de las estaciones de invierno a verano. Cada dilatación de la tela produce una grieta o fisura en la superficie, que al cabo de los años acaba surcada por toda una red de fisuras, llamadas craqueladuras. Si el proceso es muy acentuado, las escamas de pintura empiezan a levantarse y finalmente se caen.

Diversos tipos de craqueladuras en la superficie de un cuadro.

Las técnicas artísticas mal empleadas: Hay pintores que en su momento emplearon un exceso de aceites en sus lienzos, lo que los ha vuelto más oscuros con el tiempo. Otros usaron para las sombras colores a base de betún, que acaba causa un craquelado inevitable.

Un cuadro de El Greco, tras su restauración

Por último, no hay que olvidar que la más importante causa de degradación de las pinturas somos nosotros mismos, el ser humano. Las mutilaciones, repintes y tratamientos de restauración mal efectuados a lo largo de los siglos, son una constante, así como nuestra propia acción vandálica. Pero eso ya será tema para una nueva entrada.

Tenemos que asumir es que nunca podemos pretender es ver un cuadro antiguo con el aspecto que tendría si se hubiera pintado ayer. Toda el proceso de envejecimiento, realizado a lo largo de los siglos, le confieren al cuadro una pátina y una prestancia de bien antiguo, que le dignifica y es consustancial a él. Pretender "dejarlo como nuevo", es imposible y además en el intento pondríamos en peligro elementos como las veladuras, que son parte insustituible de una pintura antigua. Como decía Goya: "también el tiempo pinta".

     ENLACES DE INTERES:

Ejemplos de procesos de restauración de pinturas sobre lienzo:Gaia, ejemplos de pintura restaurada

   JOSE PAYA ZAFORTEZA